ПЛАН

1. ВСТУПЛЕНИЕ
2. ПРОТОРЕНЕССАНС
АРХИТЕКТУРА
СКУЛЬПТУРА
ЖИВОПИСЬ
3. РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
АРХИТЕКТУРА
СКУЛЬПТУРА
4. ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
ДОНАТО БРАМАНТЕ
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
РАФАЭЛЬМИКЕЛАНАЖЕЛО
АЖОРАЖОНЕ
ТИЦИАН
5. ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
АНДРЕА ПАЛЛААИО
ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ
ТИНТОРЕТТО
6. ИСКУССТВО МАНЬЕРИЗМА


У человечества есть своя биография: младенчество, отрочество и зрелость. Эпоху, которую называют Возрождением, вернее всего уподобить периоду начинающейся зрелости с её неотъемлемой романтикой, поисками индивидуальности, борьбой с предрассудками прошлого. Без Возрождения не было бы современной цивилизации. Колыбелью искусства Возрождения, или Ренессанса (франц. Renaissance), была Италия.
Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (оплат, humanus — «человечный») — течения общественной мысли, которое зародилось в XIVв. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV—XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности Идеи гуманизма наиболее ярко и полно воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями.
Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое, постоянно напоминавшее о себе в Италии, воспринималось в то время как высшее совершенство, тогда как искусство Средних веков казалось неумелым, варварским. Возникший в XVI в. термин «возрождение» означал появление нового искусства, возрождающего классическую древность, античную культуру. Тем не менее искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находилось в нерасторжимой связи и противоборстве.
При всём противоречивом многообразии и богатстве истоков искусство Возрождения — явление, отмеченное глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись, графика, скульптура, архитектура - чрезвычайно изменились.
В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы (см. статью «Искусство Древней Эллады»), сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшающими архитектурные сооружения, появилась картина, возникла живопись масляными красками.
Искусство ещё не совсем оторвалось от ремесла, но на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поразительна универсальная одарённость мастеров Ренессанса — они часто работали в области архитектуры, скульптуры, живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной», личности стало впоследствии нарицательным.
В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своём стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.
Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъёме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в, — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.
В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов: Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV т), раннее Возрождение (XV в.), Высокое Возрождение (конец XV — первые десятилетия XVI в.), позднее Возрождение (последние две трети XVI в.)

ПРОТОРЕНЕССАНС

В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне ещё сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства — будущего искусства Возрождения. Потому этот период его истории и назвали Проторенессансом (т. е. подготовившим наступление Ренессанса; от греч. «про-тос» — «первый»).
Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой Италии проторенессансное искусство существовало только в Тоскане и Риме.
В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265—1321) создал итальянский литературный язык Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия — Франческо Петрарка (1304—1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джо-ванни Боккаччо (1313—1375), основоположник жанра новеллы (небольшого рассказа) в мировой литературе. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

АРХИТЕКТУРА
Итальянская архитектура долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики (см. статью «Готическое искусство»). Вместе с тем сама итальянская готика на северную не походила она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям архитектуры, широким поверхностям стен Церковь Санта-Кроче, одна из самых больших во Флоренции, была начата Арнольфо ди Камбио в конце XIII в. (фасад создан в XIX в). Храм отличается широкими пролётами, единым светлым внутренним пространством, вместо сложных готических сводов в нём использовано деревянное потолочное перекрытие В 1296 г во Флоренции начали строить собор Санта-Мария дель Фьоре. Арнольфо ди Камбио хотел увенчать алтарную часть собора огромным куполом. Однако после смерти зодчего в 1310 г. строительство затянулось, его завершили только в период раннего Возрождения. В 1334 г по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы — стройной прямоугольной башни с по-этажными горизонтальными членениями и красивыми готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых ещё долго сохранялась в итальянской архитектуре.
Среди наиболее известных городских дворцов — палаццо делла Синьория во Флоренции. Предполагают, что его построил Арнольфо ди Камбио. Это тяжёлый куб с высокой башней, облицованный грубым камнем. На фасаде — окна разной величины, незаметный вход расположен сбоку. Здание определяет облик старого городского центра, суровой громадой вторгаясь на площадь. Могучий дворец служил символом независимости Флоренции. Более нарядно ритмически организованное палаццо Публике в Сиене (1298—1310 гг.). Его фасад выходит на площадь дель Кампо. Подобная амфитеатру, расположенному на склоне холма, площадь как нельзя лучше приспособлена для созерцания различных зрелищ множеством народа. Площадь дель Кампо — первый в Европе праздничный центр города, где устраивались турниры и
театральные представления. До сих пор каждый год здесь происходят конные состязания между городскими округами. Им предшествует красочный парад участников в средневековых костюмах.
СКУЛЬПТУРА
Раньше, чем в архитектуре и живописи, новые художественные искания наметились в скульптуре, и прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284). Он родился на юге, в Апулии, но, работая в Пизе, так сроднился с городом, что получил прозвище Пизано, с которым вошёл в историю итальянского искусства. Его творчество развивалось под влиянием античной традиции, он, несомненно, изучал скульптурное оформление поздне-римских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260 г.), выполненная им
для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на её дальнейшее формирование. Кафедра из белого, розово-красного и тёмно-зелёного мрамора представляет собой целое архитектурное сооружение, легко обозримое со всех сторон. По средневековой традиции, на парапетах (стенках кафедры) представлены рельефы на сюжеты из жизни Христа, между ними располагаются фигуры пророков и аллегорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.
Никколо Пизано использовал здесь традиционные сюжеты и мотивы, однако кафедра принадлежит уже новой эпохе. Главное достижение ваятеля состоит в том, что он сумел придать формам объёмность и выразительность, а каждое изображено обладает телесной мощью. Образы Пизано статичны, величавы и бесстрастны. Богоматерь напоминает римскую богиню Юнону, аллегория Силы в виде обнажённого атлета — античного героя Геракла.
Из мастерской Никколо Пиза-но ""вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный и как архитек тор Арнольфо ди Камбио (около 1245 — после 1310) тяготел к монументальной скульптуре, в которой использовал свои жизненные на блюдения Одна из лучших работ мастера, выполненная им совместно с отцом и сыном Пизано, — фонтан на площади Перуджи Украшенный многочисленными рельефами и статуями фонтан Фонте Маджоре, окон ченный в 1278 г, стал гордостью города Запрещалось поить из него животных, брать воду в бочонки из-под вина или в немытую посуду По лулежащие фигуры, выполненные Арнольфо ди Камбио для фонтана, сохранились в городском музее вофрагментах. В них скульптор сумел передать всё богатство движений человеческого тела.
Особое место в истории итальянской скульптуры конца XIII — начала XIV в. принадлежит Джованни Пизано (1245 или 1250 — после 1314). Ученик и помощник Никколо Пизано, он стал гораздо более известным мастером, чем его знаменитый отец. В произведениях Джованни было много нового и необычного. Почти ровесник Джотто, он являл собой полную противоположность мудрой сдержанности своего флорентийского современника.
В науке сложилась давняя традиция характеризовать Джованни Пизано как ревностного почитателя готического искусства Франции. Предполагают, что он посетил эту страну и был потрясён великолепием и выразительностью её архитектуры и скульптуры. Однако эмоциональность, неистощимую фантазию, страстность произведений Джованни Пизано невозможно объяснить только подражанием прекрасным образцам. Эти качества свидетельствуют о его богатой, пылкой натуре, об особенностях его мировосприятия. Творчество Джованни Пизано — редкий пример искусства, которое опережало своё время и протягивало нити в будущее. Неслучайно его искания имеют сходство с опытами прославленного скульптора Микеланджело.
Наиболее известны созданные Джованни Пизано кафедры в Пизан-ском соборе и церкви Сант-Андреа в Пистойе, а также статуи святых, пророков, Мадонн.
Сложные многофигурные рельефы, украшающие кафедры в соборе Пизы и церкви Сант-Андреа в Пистойе, охвачены порывистым движением. Фигуры, утратив спокойствие образов Никколо Пизано, словно стремятся вырваться из камня. Их жесты естественны, лица выразительны. Особенно экспрессивны такие драматические сцены, как «Распятие» и «Избиение младенцев».
Переплелись между собой многочисленные фигуры; матери, пытаясь спасти своих детей, вступают в
схватку с солдатами; даже львы, поддерживающие пизанскую кафедру, кажется, рычат от ярости.
Статуям Джованни Пизано присущи резкие повороты, угловатые очертания. Вслед за французскими мастерами он обратился к образу Мадонны с Младенцем на руках. Но его Небесные Царицы почти суровы, полны сильного внутреннего чувства; их лица с резким прямым профилем обращены к Спасителю. Мать обменивается с Ним долгим пристальным взглядом.
ЖИВОПИСЬ
Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550 г.), принадлежащий перуДжор-джо Вазари (1511—1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства.
Первое жизнеописание в книге Вазари посвятил Чимабуэ (настоящее имя Ченни ди Пепо; около 1240 — около 1302), которого он назвал родоначальником нового итальянского стиля живописи. Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлечённость и статичность. Хотя Чимабуэ в творчестве следовал византийским традициям, он старался выразить в своих работах земные чувства, смягчить жёсткость византийского канона.
Поиски нового гораздо решительнее обнаружили себя в произведениях Пьетро Каваллини (между 1240 и 1250 — около 1330), поклонника позднеантичной живописи. Каваллини жил и работал в Риме. Он автор мозаик (церковь Санта-Мария ин Трастевере; 1291) и фресок (церковь Санта-Чечилия ин Трастевере, около 1293). Живописец придавал изображениям объёмность и материальную осязаемость. Достижения Каваллини пере-няЯ Джотто ди Бондоне (1266 или 1267—1337), величайший художник Проторенессанса, истинный новатор в итальянской живописи. Он родился в Колле де Веспиньяно близ Флоренции в крестьянской семье Вазари приводит в «Жизнеописаниях. » такую легенду. Мальчик Джотто как-то пас овец и, пока те щипали траву, рисовал на камне. Мимо проходил Чимабуэ. Пораженный дарованием ребёнка, живописец принял его в свою мастерскую Существует и другая версия: отданный отцом в обучение к торговцу шерстью, мальчик часто убегал из лавки и проводил время в мастерских флорентийских живописцев, пока, наконец, Чимабуэ не убедил Бондоне-отца не препятствовать художественным наклонностям сына. Из обеих версий следует, что Джотто был учеником Чимабуэ, что, однако, у некоторых его биографов вызывает сомнение Предполагают,
что Джотто, живший в Риме в начале XIV в., мог учиться у Каваллини. Затем художник работал во многих городах Италии: в Падуе он написал фрески для капеллы дель Арена, во Флоренции — цикл фресок для капелл Барди и Перуцци в церкви Санта-Кроче, жил в Милане, а с 1329 по 1333 г. — в Неаполе (работы не сохранились). В 1334 г. он поселился во Флоренции и оставался там до самой смерти, занимаясь архитектурой.
Наиболее известные произведения Джотто — фрески в капелледель Арена в Падуе (1304— 1306 гг ), названной так потому, что на её месте когда-то находилась арена цирка. Капелла была построена в самом начале XIV в. падуанским банкиром Энрико Скровеньи, который заказал Джотто выполнить росписи, а Джо-ванни Пизано — статую Мадонны с Младенцем.
Сравнительно небольшая капелла имеет форму вытянутого прямоугольника. Тот, кто переступает её порог, останавливается в радостном изумлении: столько света и простора в сравнительно небольшом помещении. Это впечатление возникает благодаря фрескам Джотто с их сияющими красками и ясностью форм. На холодновато-синем фоне выделяются фигуры, написанные в жёлтых, розовых, зелёных тонах. Роспись посвящена жизни Богоматери и Христа. На стене у входа помещён «Страшный суд», напротив находится «Благовещение».
На длинных стенах расположены в три ряда самостоятельные композиции. Они связаны друг с другом
как сцены одного рассказа. Повествование неторопливо и незамысловато, исполнено спокойного достоинства. Фигуры изображены на фоне природного и архитектурного пейзажа. Образы Джотто естественны, человечны, сдержанны, лица однотипны, детали скупы. Художник выразительно использовал язык жестов, движений, обобщённых силуэтов, передал разные оттенки простых человеческих чувств и душевных состояний. Каждая композиция, являясь частью целого, может восприниматься и как самостоятельное произведение.
Джотто ввёл в традиционную систему росписей новые сюжеты, связанные с жизнью Иоакима и Анны, родителей Марии — Матери Христа.
Глубоко удручённый старец Ио-аким, изгнанный из Иерусалимского храма за бездетность — знак отверженности Богом, возвращается к своим стадам. Пастухи встречают его, сочувственно переглядываясь друг с другом. Ландшафт на этой росписи напоминает условный скалистый фон византийских икон, фигуры на переднем плане изображены объёмно и обобщённо. Более реально запечатлен пейзаж в сцене встречи Иоакима и Анны у Золотых ворот: стена расположена слегка по диагонали, из ворот группой выходят женщины. Всё внимание сконцентрировано на радостных объятиях супругов, получивших наконец благую весть о том, что у них вскоре родится ребёнок.
В драматичном «Оплакивании Христа» на фоне голой скалы с высохшим деревом группа учеников и женщин окружает мёртвого Христа, распростёртого на земле. Сидящие на переднем плане спиной к зрителю фигуры в широких одеяниях как будто замыкают скорбную сцену.
Одна из самых известных росписей падуанского цикла — «Поцелуй Иуды» — рассказывает о поединке добра и зла, благородства и низости. На фоне синего неба среди взметнувшихся копий и факелов Христос и обнимающий его Иуда изображены в профиль. Они смотрятдруг другу в глаза Спасителю с лицом ^безупречной, почти античной красоты противопоставлен низколобый, уродливый Иуда Он предал Учителя целуя Христа, помог страже опознать его в ночной темноте и схватить Джотто достигает здесь неведомой до тех пор психологической глубины
Новаторское значение искусства Джотто осознали уже его современники, оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века
После Джотто в развитии итальянской живописи произошел заметный спад Искусство последних двух третей XIV в, отмеченное влиянием готики, принято называть треченто (от итал trecento —
Во второй половине XIV в в Италии на первое место вышла живописная школа Сиены При всем богатстве и процветании этот тосканский город меньше, чем Флоренцию, затронуло движение Ренессанса Как писал П П Муратов — историк, искусствовед, один из ярких представителей русского «серебряного века», «Сиена всегда была беднее мыслью, чем Флоренция, но богаче чувством В этом городе искусство не было призвано указывать путь человечеству, намечать линии всемирной истории духа, как это было с искусством во Флоренции Оно было замкнуто в кругу простых верований и ясных непосредственных чувств»
Дуччо ди Буонинсенья (около 1255—1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи Его крупнейшая работа — огромный алтарный образ «Маэста» («Величие») Когда икону переносили из мастерской в Сиенский собор, в городе было устроено всенародное торжество В центре вытянутой горизонтальной композиции восседает на троне Мадонна с Младенцем Их окружают святые и ангелы, а также отдельные, меньшие по размерам сцены, посвященные Богоматери и Христу Оборотная сторона доски состояла из множества небольших, полных драматизма изображений на темы Страстей Господних.
К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (около 1284—1344), крупнейший и изысканнейший мастер сиенской живописи XIV в. Он увлекался светской позднеготиче-ской культурой, рыцарской поэзией, французской миниатюрой. Симоне Мартини работал в Сиене, Ассизи, Неаполе, а в последние годы жизни — при папском дворе в Авиньоне, где стал другом Петрарки. Известно, что он написал портрет Лауры, возлюбленной поэта (к сожалению, не сохранившийся). Росписи Симоне Мартини, украшающие зал Маппамондо (Карты Мира) в сиенском палаццо Публико, свидетельствуют о том, что, несмотря на приверженность мастера к культуре поздней готики, в его творческом воображении рождались необычные образы.
Большая фреска «Маэста» (1315г.) сияет светлыми розовыми, жёлтыми, голубыми, золотисто-зелеными красками на ярко-синем фоне. Под сенью лёгкого розового балдахина с
алыми и белыми кистями Мадонна с Младенцем, а также окружающие её святые и ангелы образуют изящную группу.
На противоположной стене зала Симоне Мартини поместил тёмную фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника. Этот портрет явился прототипом будущих конных монументов. В верхней части стены находится сравнительно узкая полоса росписи. На фоне густо-синего неба и жёлто-бурого, мертвенного, голого, словно кристаллического пейзажа с изображением крепостей Монтемасси и Сассофорте, а также укреплённого лагеря сиенцев едет на коне кондотьер Гвидориччо де Фольяни. Он изображён в профиль, его чертам мастер придал портретное сходство с оригиналом Кондотьер отвоевал крепости у захвативших их пизанцев. Фреска запечатлела на века его подвиги и суровый дух времени, в котором реальность тесно переплелась с вымыслом. Одеяние прямо держащегося в седле всадника и попона на ло-
шади имеют одинаковый узор из крупных тёмно-синих ромбов на жёлтом фоне. Узор как бы объединяет всадника и мощное животное в одно существо. Фреска датирована художником 1328 г.
Особенно хорошо известен алтарный образ «Благовещение» (1335 г.), ныне находящийся в галерее Уффици во Флоренции. Это центральная часть алтарной картины, каждая деталь которой отмечена утончённой красотой. Произведение отличают богатство цвета на фоне матового золота, певучий ритм линий. Изящная Мария, коленопреклонённый ангел, между ними прекрасная золотая ваза с белыми лилиями, словно отлитые из золота лёгкие декоративные детали фона — всё проникнуто тонкой поэзией.
Петрарка писал уже после кончины Мартини: «Я знал двух художников — оба они талантливы и велико
лепны: это Джотто во Флоренции, чья слава среди современников велика, и Симоне из Сиены».
Одна из особенностей сиенской школы XIV в. — создание типа женской красоты, который, став её узнаваемой приметой, повторялся и варьировался в других центрах итальянского искусства. С современной точки зрения эти белокурые красавицы изысканны, но не особенно привлекательны: длиннолицы, длинноносы, с миндалевидным разрезом близко посаженных глаз.
В последние десятилетия XIV столетия Италия переживала тяжёлые потрясения, связанные с упадком торговли, войнами, а главное, с «чёрной смертью» — эпидемиями чумы, завезённой с Востока.
Идея конца света, сопутствующая смене веков, широко распространилась в итальянском обществе, в котором нарастали мрачный пессимизм и мистические настроения. Редкий по выразительности памятник живописи — огромная фреска «Триумф смерти» в галерее кладбища Кампо Санто в Пизе (1350—1360 гг.), авторы которой точно неизвестны до сих пор. Фреска сильно пострадала во время бомбардировки 1944 г. В главной её части Смерть — крылатая седая старуха — летит с косой в руках к группе беззаботно развлекающихся в саду юношей и девушек, в то время как уродливые калеки, нищие и старики, жестикулируя и размахивая костылями, тщетно стараются обратить на себя её внимание. В левой части росписи кавалькада нарядных всадников неожиданно видит на опушке леса три открытых гроба с умершими. Средневековая тема безграничного могущества смерти, быстротечности жизни всё чаще возникала в европейской живописи, воплощаясь как в масштабных аллегорических композициях, так и в небольших натюрмортах.
РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
В XV в. искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской (т. е. не церковной) культуры были заложены во Флоренции, оттеснившей на второй план Сиену и Пизу. Флоренцию того времени называли «цветком Италии, соперницей славного города Рима, от которого она произошла и величию которого подражает». Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, особое влияние на городские дела оказывали несколько богатейших семейств. Они постоянно соперничали друг с другом. Эта борьба закончилась в конце XIV в. победой банкирского дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи (а затем и его внука Лоренцо, прозванного Великолепным) стекались писатели, поэты, учёные, архитекторы и художники.
В архитектуре тогда произошел подлинный переворот. Во Флоренции развернулось широкое строительство, на глазах менявшее облик города.

АРХИТЕКТУРА

Уроженцем Флоренции был Филип-по Брунеллески (1377—1446), родоначальник ренессансной архитектуры Италии, один из создателей научной теории перспективы (возводил постройки на основе точных математических расчётов). Разносторонне одарённый, получивший широкое гуманистическое образование, он первоначально работал как скульптор и участвовал (но не выиграл) в конкурсе 1401 г. на лучший проект бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия.
Ранняя постройка Брунеллески — купол собора Санта-Мария дель Фьо-ре во Флоренции; это образец блестящего пластического (пространственного) и инженерного решения. Брунеллески предстояло перекрыть без возведения лесов огромный пролёт купола (диаметр основания сорок два метра). Зодчий изобрёл необычайно сложную для своего времени конструкцию: лёгкий пустотелый купол имел двойную оболочку и каркас из восьми рёбер, который опоясывали кольца. Грандиозный купол, покрытый тёмно-красной черепицей, связанный крепкими белыми рёбрами и увенчанный изящным беломраморным световым фонарём, торжественно парит над городом как величественный образ Флоренции. Великий итальянский архитектор Леон Баттиста Альберта, посвящая Брунеллески свой трактат о живописи, писал, что это «великое.. вздымающееся к небесам сооружение осеняет собой все тосканские земли». Творение Брунеллески — предшественник многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.
Одновременно с возведением купола архитектор построил в 1421— 1444 гг. первое в истории ренес-сансного гражданского зодчества здание детского приюта — Оспеда-ле дельи Инноченти (что в переводе с итальянского означает «госпиталь и приют невинных»). Госпиталь украсил небольшую флорентийскую площадь Санта-Аннунциата. Гуманное назначение постройки отразилось на её приветливом, спокойном облике. Двухэтажный фасад протянулся по одной из сторон площади. Его нижний этаж открывается девятью аркадами на стройных изящных колоннах, под арками располагаются девять прямоугольных окон. Невысокая лестница почти во всю ширину фасада словно приглашает вступить под своды аркад. Продуманный чёткий план, прекрасные лёгкие пропорции, простые формы пронизанного светом и полного воздухом фасада создают впечатление равновесия и гармонии. Позднее, в 1463—1466 гг., промежутки между арками были украшены цветными керамическими медальонами с рельефами работы флорентийского скульптора Андреа делла Роб-биа. Рельефы изображают спелёнатых младенцев.
В постройке Брунеллески выражена одна из главных особенностей
ранней ренессансной архитектуры предназначенная для людей, она по масштабам соразмерна человеку, приближена к его реальному росту в отличие от готических построек с их высокими сводами
Создание композиции, ориенти-рованнной на единый центр и увенчанной куполом, хотя и не было изобретением архитектуры Возрождения, но стало одной из ее главных тем как воплощение высшего совершенства Вселенной
Брунеллески положил начало созданию купольного храма на основе античного ордера В 1421— 1428 гг он построил боковую капеллу церкви Сан-Лоренцо во Флоренции Использованные Брунеллески в этом сооружении архитектурные принципы получили дальнейшее развитие в его знаменитой капелле Пацци (1429—1443 гг) — подлинной жемчужине раннего Возрождения Расположенная в глубине узкого двора церкви Санта-Кроче, капелла богатого флорентийского рода Пацци встречает входящего изящным шестиколонным портиком с большим центральным арочным проемом По недавно полученным архивным данным, портик, возведенный Брунеллески, впослед ствии был перестроен Однако трудно допустить, что в новом сооружении не отразился общий образный замысел великого зодчего Сама же залитая светом небольшая, прямо угольная в плане капелла Пацци покоряет красотой пропорций, рав новесием частей, чистотой линий Плоскости жемчужно-серых стен словно расчерчены выполненными из темно-серого камня полосами архитектурных тяг, прямоугольниками, кругами, дугами арок Убранство стен воспринимается как элемент архитектуры, производящей впечатление легкости и одухотворенности
В начале 30-х гг XV в Брунеллески вместе со своим другом, замечательным скульптором Донателло, посетил Рим На ранних этапах Возрождения знакомство итальянского общества с античной культурой происходило благодаря изучению сохранившихся архитектурных памятников древности и обнаруженным рукописям — их собирали, изучали и переписывали Во время поездки Брунеллески и Донателло участвовали в раскопках, обмеряли, исследовали и классифицировали античные памятники Влияние римской классики сказалось в поздних крупных постройках Брунеллески — флорентийских церквах Сан-Ло ренцо (1442—1444 гг) и Санто-Спирито (начата им в 1444 г, закончена уже после его смерти в 1487 г)
Создание нового типа городских дворцов, послуживших образцом для общественных зданий поздней шего времени, стало одной из главных задач итальянской архитектуры XVстолетия.
Следующий этап развития итальянской архитектуры XV в связан с именем Леона Баттисты Альберти (1404—1472), философа и учёного По многогранности деятельности и интересов, охватывавших гуманитарные и точные науки, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру, Альберти — идеальная «ренессансная личность», сравнимая лишь со всемирно известным мыслителем и художником классического Возрождения Леонардо да Винчи
Альберти принадлежал к образованной флорентийской семье, изгнанной из родного города политическими противниками. Он испытал в юности лишения, но всё-таки сумел получить блестящее образование, изучая в университетах Падуи и Болоньи юриспруденцию, математику и естественные науки. В 1428 г. ему удалось вернуться во Флоренцию, где он вошел в круг учёных и художников, группировавшихся вокруг двора Медичи.
В 1432 г. Альберти переселился в Рим, где получил должность секретаря Папы римского Евгения IV Страстный поклонник античности, Альберти создал в 30-х гг. «Описание города Рима», составив его первую топографическую карту, и здесь же написал свой знаменитый трактат «Десять книг о зодчестве» (1449— 1452 гг.). Ранее им были созданы трактаты «О живописи» и «О статуе» (1435—1436 гг.). В Италии и за её пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства И всё же его главным призванием оставалась архитектура, хотя зодчему далеко не всегда удавалось осуществить свои смелые замыслы. С одной стороны, ему хотелось вернуться к классическому стилю с его чёткими геометрическими формами, строгой планировкой зданий, стенами с ордером и сдержанным оформлением. Но с другой стороны, в его творчестве было немало необычного, обращённого в будущее.
Первоначальный замысел зодчего ярче всего выражен во флорентийском палаццо (дворец) Ру-челлаи (1446—1451 гг.), которое завершил помощник Альберти, известный архитектор Бернардо Рос-селино. Общая композиция здания
традиционна, зато фасадная (передняя) стена приобрела новые черты Стена выложена гладкими отшлифованными каменными блоками, украшена пилястрами Работая в Мантуе над строительством церкви Санта-Андреа (она завершена после смерти зодчего), Альберти полностью отошел от готических принципов Огромный фасад церкви напоминает триумфальную арку (см статью «Искусство Древнего Рима») Такой же прием Альберти использовал ранее в церкви Сан-Франческо в городе Римини, превращенной им по заказу правителя Сиджизмондо
Малатеста в усыпальницу, так называемую Темпио Малатестиано (здание не было завершено)
Постройки Лоренцо Альберти оформлены системой большого ордера (колонны и пилястры располагаются по всей поверхности фасада от низа до верха), которой принадлежало будущее в творчестве Микеланджело и Палладио Альберти в своей системе пропорций следует «золотому сечению» — известному с глубокой древности математическому соотношению размеров архитектурных элементов, при котором меньший из двух размеров во столько же раз меньше другого, во сколько больший размер меньше их общей суммы Севернее Тосканы развитие ре-нессансного искусства шло иными путями В течение столетий интере сы Венеции, процветавшей торговой республики на севере Италии, были связаны преимущественно с Византией и другими странами Востока Турецкие завоевания лишили венецианцев традиционных рын ков, включили их в орбиту собственно итальянских интересов Ренес-сансное движение проникало сюда медленно и постепенно В искусст ве Венеции еще долго господствовали византийские традиции и готическое влияние
СКУЛЬПТУРА
В XV в итальянская скульптура переживала расцвет Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий, художественные конкурсы приобретали характер широких общественных мероприятий Событием, которое открывает новый период в развитии итальянской ренессансной скульптуры, считается состоявшийся в 1401 г конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия Среди участников конкурса были молодые мастера — Филиппе Брунел-лески и Лоренцо Гиберти (около 1381-1455)
Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Гиберти Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу Его искания достигли "вершины в изготовлении восточных дверей флорентийского баптистерия (1425—1452 гг), которые Микеланджело назвал «Вратами рая> Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, при рода, архитектура Они напоминают выразительностью живописные картины Мастерская Гиберти стала настоящей школой для целого поколения художников В его мастерской в качестве помощника работал молодой Донателло, в будущем великий реформатор итальянской скульптуры
Донато ди Никколо ди Бетто Бар-ди, которого называли Донателло (около 1386—1466), родился во Флоренции в семье чесальщика шерсти Он работал во Флоренции, Сиене, Риме, Падуе Однако огромная слава не изменила его простого образа жизни Рассказывали, что бескорыстный Донателло вешал кошелек с деньгами у двери своеймастерской и его друзья и ученики брали из кошелька столько, сколько им было нужно.
С одной стороны, Донателло жаждал в искусстве жизненной правды. С другой, он придавал своим работам черты возвышенной героики. Эти качества проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан-Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. Статуи находились в нишах, но они сразу привлекали внимание суровой выразительностью и внутренней силой образов. Особенно известен «Святой Георгий» (1416 г.) — юноша-воин с щитом в руке. У него сосредоточенный, глубокий взгляд; он прочно стоит на земле, широко расставив ноги. В статуях пророков Донателло особенно подчёркивал их характерные черты, подчас грубоватые, неприкрашенные, даже уродливые, но живые и естественные. У Донателло пророки Иеремия и Аввакум — цельные и духовно богатые натуры Их крепкие фигуры скрыты тяжёлыми складками плащей. Жизнь избороздила глубокими морщинами поблёкшее лицо Аввакума, он совсем облысел, за что его во Флоренции и прозвали Цукконе (Тыква).
В 1430 г. Донателло создал «Давида» — первую обнажённую статую в итальянской скульптуре Возрождения. Статуя предназначалась для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, — один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознаёт ещё совершённого им подвига.
Поездка в Рим вместе с Брунел-лески чрезвычайно расширила художественные возможности Донателло, его творчество обогатилось новыми образами и приёмами, в которых сказалось влияние античности В творчестве мастера наступил новый период. В 1433 г. он завершил мраморную кафедру флорентийского собора. Всё поле кафедры занимает ликующий хоровод пляшущих пут-ти — нечто вроде античных амуров и одновременно средневековых ангелов в виде обнажённых мальчиков, иногда крылатых, изображённых в движении. Это излюбленный мотив в скульптуре итальянского Возрождения, распространившийся затем в искусстве XVII—XVIII вв.
Почти десять лет Донателло работал в Падуе, старом университетском городе, одном из центров гуманистической культуры, родине глубоко почитаемого в Католической Церкви Святого Антония Падуанского Для городского собора, посвященного Святому Антонию, Донателло выполнил в 1446—1450 гг огромный скульптурный чалтарь со множеством статуй и рельефов Центральное место под балдахином занимала статуя Мадонны с Младенцем, по обеим сторонам которой располагалось уесть статуй святых. В конце XVI в. алтарь был разобран. До наших дней сохранилась только его часть, и сейчас трудно себе представить, как он выглядел первоначально.
Четыре дошедших до нас алтарных рельефа, изображающие чудесные деяния Святого Антония, позволяют оценить необычные приёмы, использованные мастером. Это тип плоского, как бы сплющенного рельефа. Многолюдные сцены представлены в едином движении в реальной жизненной обстановке. Фоном им служат огромные городские постройки и аркады. Благодаря передаче перспективы возникает впечатление глубины пространства, как в живописных произведениях.
Одновременно Донателло выполнил в Падуе конную статую кондотьера Эразмо де Нарни, уроженца Падуи, находившегося на службе у Венецианской республики. Итальянцы прозвали его Гаттамелатой (Хитрой Кошкой). Это один из первых ренессансных конных монументов. Спокойное достоинство разлито во всём облике Гаттамела-ты, одетого в римские доспехи, с обнажённой на римский манер головой, которая является великолепным образцом портретного искусства. Почти восьмиметровая статуя на высоком пьедестале одинаково выразительна со всех сторон. Монумент поставлен параллельно фасаду собора Сант-Ан-тонио, что позволяет видеть его либо на фоне голубого неба, либо в эффектном сопоставлении с мощными формами куполов.
В последние проведённые во Флоренции годы Донателло переживал душевный кризис, его образы становились всё более драматичными. Он создал сложную и выразительную группу «Юдифь и Олоферн» (1456—1457 гг.); статую «Мария Магдалина» (1454—1455 гг.) в виде дряхлой старухи, измождённой отшельницы в звериной шкуре; трагические по настроению рельефы для церкви Сан-Лоренцо, завершённые уже его учениками. Среди крупнейших скульпторов первой половины XV в. нельзя обойти вниманием Якопо делла Кверча (1374—1438) — старшего современника Гиберти и Донателло. Его творчество, богатое многими открытиями, стояло как бы в стороне от общего пути, по которому развиваось искусство Ренессанса. Уроженец города Сиены, Кверча работал в Лукке. Там в городском соборе находится выполненное этим мастером редкое по красоте надгробие юной Иларии дель Карето. В 1408— 1419 гг. Кверча создал скульптуры для монументального фонтана Фонте Гайя на площади Кампо в Сиене. Затем мастер жил в Болонье, где его главным произведением стали рельефы для портала церкви Сан-Петро-нио (1425—1438 гг.). Выполненные из тёмно-серого твёрдого местного камня, они отличаются мощной монументальностью, предвосхищая образы Микеланджело.
Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворённому, светскому искусству. Ведущая роль в нём принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лук-ка делла Роббиа (1399 или 1400— 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, была в Средние века завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку, почему и получила своё название, а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525).
живопись
Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо По словам Ва-зари, «Мазаччо стремился изображать фигуры с большой живостью и величайшей непосредственностью наподобие действительности»
Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и все же успел сделать в живописи столько нового, сколько иному мастеру не удавалось за всю жизнь
Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи, прозванный Мазаччо (1401—1428), родился в местечке Сан-Вальдарно близ Флоренции, куда он юношей уехал учиться живописи Существовало предположение, что его учителем был Мазолино де Паникале, с которым он затем сотрудничал, сейчас оно отвергнуто исследователями Мазаччо работал во Флоренции, Пизе и Риме
Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427—1428), созданная для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции Фреска выполнена на стене, уходящей в глубину капеллы, которая построена в форме ренессанс-ной арочной ниши На росписи представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя Их осеняет образ Бога-Отца На переднем плане фрески запечатлены коленопреклоненные заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви Расположенное в нижней части фрески изображение саркофага, на котором лежит скелет Адама, прародителя человечества, также словно выходит в пространство храма Надпись над саркофагом содержит традиционное средневековое изречение «Я был таким когда-то, как вы, и вы будете такими, как я»
До 50-х гг XX в это произведение Мазаччо в глазах любителей искусства и ученых отступало на второй план перед его знаменитым циклом росписей капеллы Бранкач-чи После того как в 1952 г фреска была перенесена на прежнее место в храме, промыта, отреставрирова-на, когда была обнаружена ее нижняя часть с саркофагом, «Троица» привлекла к себе пристальное внимание исследователей и любителей искусства. Творение Мазаччо замечательно во всех отношениях. Величавая отрешенность образов сочетается здесь с не виданной до тех пор реальностью пространства и архитектуры, с объемностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе сдержанного чувства образом Богоматери.
В те же годы Мазаччо (в содружестве с Мазолино) создал в церкви Санта-Мария дель Кармине росписи капеллы Бранкаччи, названные так по имени богатого флорентийского заказчика
Перед живописцем стояла задача средствами линейной и воздушной перспективы построить пространство, разместить в нем мощные фигуры персонажей, правдиво изобразить их движения, позы, жесты, а затем масштабы и цвет фигур связать с природным или архи тектурным фоном Мазаччо не толь ко успешно справился с этой задачей, но и сумел передать внутреннее напряжение и психологическую глубину образов. Сюжеты росписей в основном посвящены истории апостола Петра Самая известная композиция "Чудо со статиром» рассказывает, как у ворот города Капернаума Христа с учениками остановил сборщик налогов, требуя у них денег на под держание храма Христос повелел апостолу Петру'выловить в Гениса-ретском озере рыбу и извлечь из нее статир Слева на втором плане зритель видит эту сцену Справа Петр вручает деньги сборщику. Таким образом, композиция соединяет три разновременных эпизода, в которых трижды предстает апостол. В новаторской по существу живописи Мазаччо этот прием — запоздалая дань средневековой традиции изобразительного рассказа, от него в то время уже отказались многие мастера и более столетия назад сам Джотто. Но это не нарушает впечатления смелой новизны, которой отличаются весь образный строй росписи, ее драматургия, жизненно убедительные, чуть грубоватые герои
Иногда в выражении силы и остроты чувства Мазаччо опережает свое время Вот фреска «Изгнание Адама и Евы из рая» в той же капелле Бранкаччи Зритель верит тому, что Адама и Еву, нарушивших Божественный запрет, ангел с мечом в руках действительно изгоняет из рая Главное здесь — не библейский сюжет и внешние детали, а ощущение беспредельного человеческого отчаяния, которым охвачены Адам, закрывший лицо руками, и рыдающая Ева, с запавшими глазами и тёмным провалом искажённого криком рта.
В августе 1428 г. Мазаччо уехал в Рим, не закончив росписи, и вскоре внезапно умер. Капелла Бранкаччи стала местом паломничества живописцев, перенимавших приёмы Мазаччо. Однако многое в творческом наследии Мазаччо сумели оценить лишь следующие поколения.
В творчестве его современника Паоло Уччелло (1397—1475), принадлежавшего к поколению мастеров, работавших после смерти Мазаччо, тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Прелестна его ранняя маленькая картина «Святой Георгий». Решительно шагает на двух ногах зелёный дракон с винтообразным хвостом и узорчатыми крыльями, словно вырезанными из жести. Он не страшен, а забавен. Сам художник, вероятно, улыбался, создавая эту картину. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Эксперименты, чертежи, зарисовки, которым он посвящал бессонные ночи, Вазари описывал как чудачества. Между тем в историю живописи Паоло Уччелло вошел, как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах приём линейной перспективы.
В молодости Уччелло работал в мастерской Гиберти, затем выполнял мозаики для собора Сан-Марко в Венеции, а вернувшись во Флоренцию, познакомился с росписями Мазаччо в капелле Бранкаччи, оказавшими на него огромное влияние. Увлечение перспективой отразилось в первом произведении Уччелло — написанном им в 1436 г. портрете английского кондотьера Джона Хоквуда, известного итальянцам как Джованни Акуто. Огромная монохромная (одноцветная) фреска изображает не живого человека, а его конную статую, на которую зритель смотрит снизу вверх.
Смелые искания Уччелло нашли выражение в трёх его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвящённых битве двух флорентийских полководцев с войсками Сиены при Сан-Романо. В удивительных картинах Уччелло на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточённой схватке всадники и воины, перемешались копья, щиты, древки знамён. И тем не менее сражение выглядит условной, застывшей, на редкость красивой, поблёскивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета. Композиция поздней картины Уччеллс «Ночная охота» (около 14б0 г.) тщательно им рассчитана. Но увлекает в ней, прежде всего зрелище. Суматошная толпа в ярко-красных одеждах и шапочках — всадники, охотники, загонщики — и белые собаки устремляются между тонких стволов в тёмную, почти чёрную мглу таинственного леса, встающего перед ними огромной плотной стеной.
Развитие живописи раннего Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Одновременно с Андреа дель Кастаньо во Флоренции жил и работал его товарищ по мастерской Гиберти, почти ровесник, известный живописец Бе-ноццо Гоццоли (1420—1497). Ученик художника Фра Беато Анджели-ко (1400—1450), он создал много красочных фресок на религиозные сюжеты. Беноццо прославился росписью капеллы в палаццо Медичи (1459—1460 гг.).
Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—1469), монаха ордена кармелитов. Он мало подходил для монашеского сана. Когда, будучи уже не первой молодости, он похитил из монастыря Лукрецию Бутти, ему пришлось при помощи его покровителя Козимо Медичи добывать разрешение Папы римского на их брак. С Лукреции Бутти и их старшего сына он писал Мадонну с Младенцем Христом. Обаятельный мастер, автор многих алтарных картин, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.
Несколько особняком в истории флорентийской школы стоит творчество Доменико Венециано (до 1410—1461). Его имя свидетельствует о том, что он был уроженцем Венеции. Проработав несколько лет в Перудже и Сиене, он в конце 30-х гг. XV в. переехал во Флоренцию, где и остался до конца жизни. Среди других художников, своих современников, Доменико Венециано выделялся тем, что его чрезвычайно интересовал колорит.
Вазари утверждает, что Венециано был первым в Италии, кто независимо от нидерландских живописцев стал использовать технику масляной живописи.
В картинах Венециано (среди которых «Мадонна с четырьмя святыми», созданная около 1445 г.) господствуют тонкая и воздушная гармония красок, серебристый свет. С его именем связывают изысканные профильные женские портреты. Мастерство Венециано как замечательного колориста не оказало заметного влияния на живопись Флоренции, но получило дальнейшее развитие в творчестве его великого ученика — Пьеро делла Франческа.
В середине XV столетия живопись Центральной Италии пережила бурный расцвет, ярким примером которого может служить творчество Пьеро делла Франческа (около 1420—1492), крупнейшего художника и теоретика Возрождения. О жизни и личности мастера сохранилось мало достоверных сведений. Известно, что он родился в небольшом городе Борго-Сан-Сеполькро в Умбрии, недалеко от Ареццо, в семье ремесленника. Учился он в мастерской Доменико Венециано во Флоренции, где проявил глубокий интерес к искусству Мазаччо, Уччелло, Брунеллески и Альберта. Затем работал в городах Римини, Ареццо, Урбино, Ферраре, Риме. Творчество Пьеро делла Франческа вышло за пределы местных живописных школ и определило развитие итальянского искусства в целом.
В исполненной в 1450—1462 rr для родного города алтарной картине «Мадонна Милосердия» Пьеро делла Франческа нашёл необычайно выразительные средства при создании образа Небесной Заступницы. Похожая на статую или колонну, фигура юной Марии, согласно традиции, значительно превосходит размерами фигуры молящихся, припавших к её ногам. Мадонна высится над ними, её тяжёлый плащ раскрылся как шатёр — каждый может найти в нём защиту и прибежище.
Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа — его фрески в алтаре церкви Сан-Франческо в Ареццо (1452—1466 гг.). Они посвящены истории креста, на котором был распят Христос, рассказанной в популярной в то время «Золотой легенде» Якопо де Ворад-жине, итальянского монаха XIII в. В узкой готической капелле с высоким окном художнику пришлось расположить фрески в три яруса. Он выбрал из многочисленных эпизодов легенды ключевые: от самого начала — когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама прорастает священное дерево (фреска «Смерть Адама»), до конца — когда византийский император Ираклий торжественно возвратил христианскую реликвию в Иерусалим.
В размещении сцен мастер не следовал строго за нитью повествования, а стремился создать общее композиционное единство, фресковый ансамбль, рассчитанный на единовременное обозрение.
Фрески производят необычайно сильное первое впечатление. Алтарь из-за сочетания почти'*не приглушённых тенями красок — голубых, розовых, светло- и тёмно-зелёных, жёлтых и вишнёво-красных — кажегся залитым светом. Господствуют голубые и синие тона — даже вороные лошади написаны тёмно-синим, а не черным. При первом взгляде живопись выглядит плоскостной, но затем становится понятна её объёмно-пространственная основа Сочетание объёмности и в то же время плоскостности в изображении — одна из удивительных особенностей искусства Пьеро делла Франческа, который, строго соблюдая законы перспективы, не создавал иллюзии глубины пространства. Даже здания на фресках располагаются не под углом, а в фас. Художник часто ставил в профиль фигуры, приближая их к переднему плану, предпочитал закруглённые силуэты и чёткие, лёгкие, плавные линии. На фресках предстают самые разные персонажи, легендарные и исторические типы людей. И всё же в них есть нечто общее. Они облачены в широкие одежды с ниспадающими складками, за женщинами тянутся шлейфы, на головах у мужчин — фантастические уборы в виде высоких цилиндров, расширяющихся кверху раструбами. Всё подчинено неторопливому ритму
Дерево, которое выросло на могиле Адама, было срублено во времена царя Соломона и попало в его дворец. Мудрая пророчица царица Савская преклоняет колена и молится перед ним. Её силуэту, изображённому в профиль, мастер придал силу и спокойное достоинство Царицу окружают полукольцом невозмутимые и чуть надменные придворные дамы в длинных платьях и другие спутники. Действие происходит под голубым небом с белыми облачками на фоне пейзажа с кронами деревьев и лёгкими очертаниями холмов.
На фасаде дворца царя Соломона очень высокие колонны настолько быстро уменьшаются по мере их «удаления» от зрителя, что видна в сущности только первая из них, разделяющая фреску на две части. Справа — в дворцовом зале — вновь появляется царица Савская со своей свитой и склоняется перед приветствующим её царём. На фреске господствует ровный спокойный свет, краски лучезарны.
Меньшая по размерам вертикальная композиция «Сон Константина» наполнена таинственной ночной тишиной. Римский император спит
в походном шатре в канун решающей битвы с Максенцием.
Ангел с крестом в руке, стремительно летящий вниз головой в потоке света, предрекает Константину победу. Мастер тонко передал эффект искусственного освещения: в луче света, исходящего от ангела, из темноты выступает шатёр полководца. Это не имело аналогий в итальянской живописи XV в.
Фреска тематически связана с большой горизонтальной композицией «Победа Константина над Максенцием». Это реальное событие в римской истории Ожесточённая борьба за власть двух императоров — Константина и Максенция — завершилась в 312 г. Известны драматические подробности сражения, проигранного Максенцием, — он утонул в Тибре во время бегства с поля боя через обрушившийся Муль-виев мост. Исторические факты не волновали художника. Он создал образ победы христианства над язычеством.
В сияющем свете дня конница императора Константина замерла на берегу Тибра: белые кони перемежаются с тёмными, к весеннему голубому небу поднимаются копья и разноцветные древки знамён, реет императорское жёлто-оранжевое знамя с вышитым на нём чёрным орлом, развеваются плюмажи на причудливых шлемах, поблёскивают серебристо-серые латы. Константин изображён в профиль, на белом коне впереди войска. Император держит в руке лёгкий белый крест — священную реликвию. Правая часть фрески сильно повреждена, но всё же видно, как всадник — Максен-ций — тонет в реке. В свободной живописной манере показано неширокое изгибающееся русло Тибра с едва тронутыми зеленью голыми деревьями по берегам, в воде отражается прозрачное небо.
Пьеро делла Франческа часто посещал Урбино, выполнял поручения герцога Урбинского и был, вероятно, его другом. Герцог Федериго да Монтефельтро — просвещённый государь, наделённый превосходным художественным вкусом, владелец богатейшей библиотеки и собрания выдающихся произведений искусства — привлекал к своему двору образованных талантливых людей Италии.
Пьеро делла Франческа написал в Урбино профильные парные портреты герцога Федериго и его супруги Баттисты Сфорца (около 1465 г.). Государь и государыня предстают на картинах крупным планом на фоне окутанных воздушной дымкой чудесных пейзажей. На оборотной стороне каждого портрета также на фоне пейзажей изображены герцог
и герцогиня на триумфальных колесницах. Замечателен портрет Фе-дериго да Монтефельтро в одежде тёмно-красного цвета и красной шапочке. Его властный уродливый профиль с повреждённой в сражении переносицей запечатлен с исключительной точностью. Образ герцога полон такой значительности, что ему как будто подчинена даже природа. При этом художник достиг скульптурной чеканной объёмности лица — мастер «лепил» его с помощью света и красок.
Для Урбинского дворца Пьеро делла Франческа создал одну из прекраснейших и самых загадочных своих картин — «Бичевание Христа» (между 1455 и 1460 гг.). Отодвинутая на второй план, сцена страдания Спасителя включена в композицию редкой красоты — в ней словно живёт дух архитектуры Урбинского дворца. Колористический дар мастера наиболее ярко проявился в его картинах. К поздним шедеврам Пьеро делла Франческа принадлежит поэтичное серебристо-голубоватое воздушное «Рождество» (около 1470 г.).
Во второй половине XV столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие прекрасные мастера. Среди живописцев наиболее знаменит Андреа Мантенья.
Андреа Мантенья (1431—1506), уроженец Падуи, учился живописи у своего приёмного отца Франческо Скварчоне, который был выдающимся знатоком античности, учёным и археологом. Мантенья испытал влияние Донателло, знал работы Андреа дель Кастаньо, нидерландских мастеров, венецианских живописцев Беллини. Он был женат на дочери Якопо Беллини.
Мантенья нашёл идеал в античности. Однако он не просто использовал в своих работах античные мотивы или подражал искусству древних мастеров — его персонажи действовали в Древнем Риме. Живописец стремился создавать такие образы, в которых соединялись черты античных героев и людей эпохи Возрождения.
Первые знаменитые произведения Мантеньи в Падуе — росписи капеллы Оветари в церкви Эремита-ни (1448—1456 гг.) — были начаты им в семнадцатилетнем возрасте. В них сразу проявились смелость и новизна исканий молодого живописца. Особенно ярко это выразилось в росписях, посвящённых Святому Иакову.
В сцене суда над Иаковом действие происходит на Римском Форуме. Во фреске «Шествие Иакова на казнь» художник изобрёл такой ракурс, при котором все изображения видятся снизу вверх (возможно, под влиянием падуанских рельефов Донателло). Поэтому фигуры высотой меньше натурального роста на росписи кажутся огромными, а сооружения — гигантскими, особенно господствующая в композиции триумфальная арка. В 1944 г. церковь Эремитани была почти полностью разрушена при бомбардировке Падуи английской авиацией. Росписи чрезвычайно пострадали при этом.
В 1459 г. Мантенья переехал в Мантую, ко двору маркиза Лодовико Гонзага. Там мастер жил и работал до конца своих дней Мантенья выполнял в Мантуе разного рода строительные работы, оформлял театральные представления и улицы в дни празднеств. Но главным его делом было создание многочисленных росписей, украшавших дворцовые покои
Из всех его работ до нас дошли девять полотен «Триумфа Цезаря» в Риме и фрески «Камеры дельи Спо-зи» Мантуанского дворца. В тот период Мантенья вновь вернулся к своей любимой античной теме: на больших полотнах, написанных гризайлью, он словно воссоздал древнеримские рельефы. Серия картин, по-видимому, предназначалась для украшения какого-то здания, но не была завершена Художник проявил себя как мастер композиции и
великолепный рисовальщик, о чем свидетельствует почти филигранная разработка деталей в различных сценах Он изобразил торжествен ное шествие римских легионеров со знаменами, штандартами и факелами, жертвенных животных, толпы пленников и, наконец, триумфальную колесницу Цезаря, венчаемого Славой Эффектные полотна мастера вызывали, как, впрочем и все, что он создавал, восторженные отзывы современников Однако главным вкладом Мантеньи в монументальную живопись эпохи Возрождения стала его роспись < Камеры дельи Спози» (1465—1474 гг) Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю североитальянскую живопись>
К концу XV столетия в Италии выдвинулись и другие крупные центры искусства, но тем не менее
Флоренции принадлежала ведущая роль в утверждении аристократически изысканного художественного образа, связанного с мифологической или литературной основой и в значительной мере предназначен ного для ценителей и знатоков.
* * *
Особое место в живописи раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли, современнику Леонардо да Винчи и молодого Микеланд-жело
Алессандро Филипепи, прозванный Боттичелли (1445—1510), ро дился во Флоренции Он учился живописи у Филиппе Липпи, посещал мастерскую знаменитого скульптора и живописца Верроюкьо, где сблизился с Леонардо, который также был учеником Верроккьо
Его имя стало известно благодаря картине «Поклонение волхвов»
(1476 г), которая привлекла к себе внимание семьи Медичи На картине были изображены три поколения этих некоронованных правителей Флоренции Боттичелли стал работать при дворе Медичи
Изысканное искусство Боттичел ли с элементами стилизации, т е обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения формы, цвета и объема, пользовалось большим успехом в кругу высокообразованных флорентийцев В искусстве Боттичелли в отличие от большинства мастеров раннего Возрождения преобладало личное переживание мастера Исключительно чуткий и искренний, художник прошел сложный и трагический путь творческих исканий — от поэтического восприятия мира в юности до болезненного пессимизма в зрелом возрасте
Его знаменитые картины зрело го периода «Весна» (около 1477— 1478 гг) и «Рождение Венеры> (1483—1484 гг) навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано, придворного поэта Медичи Аллегорическая картина < Весна», написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли>
На фоне темной зелени фантастического сада выступают изящными силуэтами гибкие стройные фигуры Цветущий луг под их ногами напоминает яркий ковер В глубине композиции Венера в нарядном платье стоит в меланхолической задумчивости Ее окружает обязательная свита амур с луком парит над ее головой, три юные грации ведут хоровод, из рощи бежит нимфа, преследуемая фавном На переднем плане Весна, или богиня Флора, в венке и затканном цветами платье шествует стремительно и так легко, что еле касается босыми ногами земли В левом углу — фигура юноши, которого обычно называют Меркурием Ритм струящихся линий объединяет композицию в единое целое, создает утонченную цветовую гармонию Художник применил архаичный для своего времени прием — тончайшую штриховку золотом некоторых деталей, среди них — цветы, плоды, лучи, венцы, рисунок тканей Восхитительны отдельные фигуры и группы, особенно три танцующие грации Покоряет прелесть очертаний их фигур, одежд, словно сотканных из воздуха, движений рук, касаний пальцев Пронизанный музыкальным ритмом танца, трепетом линий, образ трех граций прославляет наступающую Весну, праздник природы, человеческих чувств. Но в картине Боттичелли чувствуется свойственный его искусству оттенок грусти, холодноватой отрешённости. Персонажи погружены в себя, внутренне одиноки.
Более непосредственно воспринимается картина «Рождение Венеры», не столь сильно связанная с аллегорическим подтекстом. Это одно из самых пленительных созданий мировой живописи. Картина изображает Венеру, богиню любви и красоты, плывущую на большой раковине. «Лодку» подгоняют к берегу летящие, сплетённые в объятиях бог и богиня ветра. На берегу Венеру поджидает нимфа, которая спешит накинуть на её плечи светло-малиновое покрывало, затканное цветами. Мастер золотит развеваемые ветром волосы Венеры, и это придаёт её женственному облику что-то неземное. Явление божества, далёкого от реальности, отражено и в гамме холодных, прозрачных, светлых красок.
В живописи раннего Возрождения среди множества лиц — прекрасных и почти уродливых, но всегда значительных — образы женщин, девушек, юношей и детей, принадлежащие кисти Боттичелли, узнаются сразу. Их отличает не классическая правильность черт, не миловидность, а обаяние безгрешной чистоты, беззащитности, невысказанной грусти. Образ Венеры — высшее воплощение этого идеала. Через четыре столетия люди всматриваются в её ясные черты и находят в них нечто волнующее и притягательное.
В начале 90-х гг. XV столетия в творчестве Боттичелли произошёл решительный перелом. На него оказали сильнейшее влияние страстные проповеди доминиканского монаха Савонаролы, обличавшего папство, аристократию, богатых и гуманистическую культуру. Когда в 1494 г. Медичи были изгнаны из Флоренции, а во главе республики фактически оказался Савонарола, Флоренцию охватил религиозный фанатизм.
На улицах запылали костры, в которых горели предметы роскоши и даже произведения искусства. Боттичелли с его жадным интересом к политической жизни и страстностью религиозных исканий мучительно метался между гуманистической ре-нессансной культурой художественного кружка при дворе Медичи и призывами к аскетизму Савонаролы. Сильное впечатление на мастера произвела казнь монаха, обвинённого в ереси: он был повешен перед Паласио Веккьо, а затем сожжён на костре.
В позднем периоде творчества Боттичелли предпочитал писать картины на религиозные сюжетытрагического характера. К ним относятся две картины «Оплакивание Христа» (около 1500 г.). Одна из самых известных картин того времени — так называемая «Покинутая» (около 1490 г.): у запертых бронзовых ворот в громадной стене сидит девушка, закрывшая лицо руками, — олицетворение безнадёжности, одиночества, трагической судьбы.Боттичелли умер в нищете и забвении. Его творчество заново открыли лишь в середине XIX в. так называемые прерафаэлиты — группа английских художников и писателей, избравших своим идеалом итальянское искусство до Рафаэля (отсюда и происходит их название).
ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Бра-манте, охватывает сравнительно короткий период — от конца XV в. до конца второго десятилетия XVI в. Только в Венеции расцвет искусства продолжался до середины столетия.
Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только о в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Изобразительный язык, который, по определению некоторых исследователей, в эпоху раннего Возрождения мог показаться слишком «болтливым», стал обобщённым и сдержанным. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлётами и последующим кризисом.


ДОНАТО БРАМАНТЕ
Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на основании предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Роль Донато Браманте (1444— 1514), который наметил пути развития архитектуры Италии XVI в., можно уподобить роли Филиппе Брунеллески в зодчестве раннего Возрождения.
Браманте начинал творческую деятельность как живописец. В этом качестве в 1476 г. он был приглашён в Милан ко двору герцога Лодовико Моро. Здесь произошла его встреча с Леонардо да Винчи, градостроительные идеи которого оказали на мастера сильнейшее влияние Хотя, Браманте и обладал выдающимся талантом живописца, в это время его всецело захватило увлечение архитектурой. В миланский период творчества, длившийся двадцать лет, Браманте возвёл несколько великолепных зданий, среди которых выделяется перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть монастырской церкви Санта-Мария делла Грацие В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античной ордерной архитектурой
Наибольших высот в творчестве Браманте достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 г., после того как Милан был взят французскими войсками. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство
Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, чётко расчленённой поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрёл черты общественного сооружения (оно и стало административным папским зданием) Безупречный по очертаниям стройных арок, большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте
Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (т. е. храмик), воздвигнутый Браманте в 1502 г. во дворе монастыря Сан-Пьетро ин Монторио на месте, где был распят на кресте апостол Пётр. Окружающая Темпьетто современная застройка не позволяет вполне оценить, насколько естественно и горделиво вписывается в окружающее пространство стоящий на возвышении в несколько ступеней, окружённый колоннами и увенчанный куполом храм В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения.
С восшествием на папский престол Юлия II — человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, — началась пора перестройки и украшения Рима Браманте стал главным папским архитектором.
В 1505 г. приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан-Дамазо до Бельведера. Маленький Темпьетто был исключением в римской практике Браманте, тяготевшего к огромным масштабам зданий. Например, парадный двор Бельведер простирался почти на триста метров и, следуя единой продольной оси и рельефу местности, располагался на трёх террасах, завершаясь мощной полукруглой нишей-экседрой.
Бельведер служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни Браманте это колоссальное сооружение было возведено не полностью; ныне двор расчленён зданиями, возведёнными позднее.
Браманте стал первым создателем собора Святого Петра в Риме. В этом здании должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально-купольного храма. В классическом стиле Высокого Возрождения строились многие центрально-купольные храмы, дворцы и виллы. Со второй трети XVI столетия из-за кризиса гуманистического мировоззрения возникло несколько течений в зодчестве.
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452—1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и учёного стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия. Леонардо посвящена колоссальная литература, подробнейшим образом изучена его жизнь. И тем не менее многое в его творчестве остаётся загадочным и продолжает будоражить умы людей.
Леонардо да Винчи родился в селении Анкиано близ Винчи, недалеко от Флоренции; он был внебрачным сыном зажиточного нотариуса и простой крестьянки. Заметив необычайные способности мальчика в живописи, отец отдал его в мастерскую Андреа Верроккьо. В картине учителя «Крещение Христа» фигура одухотворённого белокурого ангела принадлежит кисти молодого Леонардо.
Среди его ранних работ картина «Мадонна с цветком» (1472 г.). В отличие от мастеров XV в. Леонардо отказывался от повествовательно-сти, использования деталей, которые отвлекают внимание зрителя, насыщенного изображениями фона. Картина воспринимается как простая, безыскусная сцена радостного материнства юной Марии. Две крупные фигуры заполняют всё пространство картины, лишь за окном в тёмной стене видно чистое холодное голубое небо. Запечатлен конкретный момент: мать, сама ещё ласковая и живая девочка, протягивает, улыбаясь, своему ребёнку цветок и наблюдает, как серьезный малыш внимательно рассматривает незнакомый предмет Цветок связывает обе фигуры между собой Леонардо много экспериментировал в поисках различных составов красок, он одним из первых в Италии перешел от темперы к живописи маслом «Мадонна с цветком» исполнена именно в этой, тогда еще редкой, технике Работая во Флоренции, Леонардо не находил применения своим силам ни как ученый-инженер, ни как живописец изысканная утонченность культуры и сама атмосфера двора Лоренцо Медичи остались ему глубоко чуждыми. Около 1482 г Леонардо поступил на службу к миланскому герцогу Лодовико Моро Мастер рекомендовал себя при этом в первую очередь как военного инженера, зодчего, специалиста в области гидротех нических работ и только потом как живописца и скульптора Однако первый миланский период твор чества Леонардо (1482—1499 гг) оказался наиболее плодотворным Мастер стал самым известным художником Италии, занимался архитектурой и скульптурой, обратился к фреске и алтарной картине
Не все грандиозные замыслы, в том числе и архитектурные проекты, Леонардо удавалось осуществить Выполнение конной статуи Франческо Сфорца, отца Лодовико Моро, продолжалось (с перерывами) более десяти лет, но она так и не была отлита в бронзе Глиняная модель монумента в натуральную величину, установленная в одном из дворов герцогского замка, была уничтожена французскими войсками, захватившими Милан
Это единственное крупное скульптурное произведение Леонардо да Винчи получило высокую оценку современников Представление о статуе можно составить на основании рисунков, запечатлевших разные варианты и этапы работы над ней Первоначально статуя изображала всадника в стремительном движении, на вздыбленном коне, но ее отливка оказалась технически невозможной, позднее мастер нашел более спокойное решение Памятник Сфорца должен был более чем в полтора раза превысить конные монументы, выполненные Донателло и Верроккьо. Монумент прозвали Великим Колоссом.
До нашего времени дошли живописные работы Леонардо миланского периода. Первой алтарной композицией Высокого Возрождения стала «Мадонна в гроте» (1483— 1494 гг.). Живописец отошёл от традиций XV столетия, в религиозных картинах которого преобладала торжественная скованность. В алтарной картине Леонардо мало фигур: женственная Мария, Младенец Христос, благословляющий маленького Иоанна Крестителя, и коленопреклонённый ангел, словно выглядывающий из картины. Образы идеально прекрасны, естественно связаны с окружающей их средой. Это подобие грота среди тёмных базальтовых скал с просветом в глубине — типичный для Леонардо пейзаж: в целом фантастически таинственный, но в частностях — в изображении каждого растения, каждого цветка среди густой травы — выполненный с точным знанием природных форм. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот приём Леонардо называли сфумато.
В Милане, по-видимому, мастер создал полотно «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Здесь в отличие от «Мадонны с цветком» он стремился к большей обобщённости и идеальности образа. Изображён не определённый момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена молодая прекрасная женщина, кормящая грудью ребёнка. Выразительна чёткость уравновешенной композиции с двумя симметрично расположенными окнами, между которыми вписан живой и гибкий силуэт женской полуфигуры. Холодный ясный свет озаряет её тонкое, мягко вылепленное лицо с полуопущенным взором и лёгкой, еле уловимой улыбкой. Картина написана темперой, придающей звучность тонам голубого плаща и красного платья Марии. Удивительно написаны пушистые темно-золотистые вьющиеся волосы Младенца, не по-детски серьёзен его внимательный взгляд, устремлённый на зрителя.
Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495—1497 гг. по заказу Лодовико Моро для трапезной церкви Санта-Мария делла Грацие в Милане. Судьба этого прославленного произведения Леонардо трагична. Ещё при жизни мастера краски начали осыпаться. В XVII в. в стене трапезной пробили дверь, уничтожившую часть композиции, а в XVIII в. помещение превратили в склад сена. Большой вред фреске нанесли неумелые реставрации. В 1908 г. были проведены работы по расчистке и укреплению росписи Во время Второй мировой войны потолок и южную стену трапезной разрушила бомба. Предпринятая в 1945 г. реставрация спасла роспись от дальнейшего разрушения, остатки живописи Леонардо были выявлены и закреплены. Однако о великом творении мастера можно составить теперь только самое общее представление.
Огромная фреска (4,6 х 8,8 м) занимает всю торцевую стену трапезной. Христос, фигура которого находится в центре, на фоне дверного проёма, и апостолы восседают за столом. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнёс роковые слова: «Один из вас предаст меня» Они вызывают у апостолов гамму разнообразных чувств, отчаяние, испуг, недоумение, гнев; некоторые вскакивают с мест, бурно жестикулируют. Чтобы не создавать впечатления сутолоки, художник объединил персонажи в четыре группы по три фигуры в каждой и расположил их слева и справа от Спасителя. Леонардо отказался от традиционного размещения Иуды по другую сторону стола, но предатель сразу узнаётся среди участников трапезы — по отпрянувшей назад фигуре, судорожному жесту руки, сжимающей кошель, зловещему затенённому профилю. Образ Христа — не только пространственный, колористический, но и духовный центр композиции. Учитель одинок в своём мудром спокойствии и покорности судьбе.
Когда в 1499 г. Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество Леонардо словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503 г.). Портрет, известный как «Джоконда», стал одним из самых прославленных произведений мировой живописи.
Небольшой, окутанный воздушной дымкой портрет молодой женщины, сидящей на фоне голубовато-зелёного странного скалистого пейзажа, полон такой живой и нежной трепетности, что, по словам Вазари, в углублении шеи Моны Лизы можно видеть биение пульса. Казалось бы, картина проста для понимания. Между тем в обширной литературе, посвящённой «Джоконде», сталкиваются самые противоположные толкования созданного Леонардо образа.
В истории мирового искусства есть произведения, наделённые странной, таинственной и магической силой. Объяснить это трудно, описать невозможно. В их ряду одно из первых мест занимает изображение молодой флорентийки Моны Лизы. Она, по-видимому, была незаурядной, волевой личностью, умной и цельной натурой. Леонардо вложил в её удивительный, устрем ленный на зрителя взгляд, в знаменитую, словно скользящую загадочную улыбку, в отмеченное зыбкой изменчивостью выражение лица заряд такой интеллектуальной и духовной силы, который поднял её образ на недосягаемую высоту.
В последние годы жизни Леонардо да Винчи мало работал как художник. Получив приглашение от французского короля Франциска I, он уехал в 1517 г. во Францию и стал придворным живописцем. Вскоре Леонардо умер. На автопортрете-рисунке (1510—1515 гг.) седобородый патриарх с глубоким скорбным взглядом выглядел гораздо старше своего возраста.
Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И тем не менее его личность выходила за пределы своего времени, поднималась над ним. Творчество Леонардо до Винчи неисчерпаемо. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, занимающие в истории мирового искусства одно из почётных мест. С рисунками Леонардо да Винчи, зарисовками, набросками, схемами неразрывно связаны не только рукописи, посвящённые точным наукам, но и работы по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498 г.) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам светотени, объёмной моделировке, линейной и воздушной перспективе.
Искусство Леонардо да Винчи, его научные и теоретические исследования, уникальность его личности прошли через всю историю мировой культуры, оказали на неё огромное влияние.

РАФАЭЛЬ
С творчеством Рафаэля (1483— 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеландже-ло — мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Конечно, в той или иной степени каждый из них обладал всеми этими качествами. Несомненно, однако, что неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает всё творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл.
Рафаэль первоначально учился в Урбино у своего отца, затем у местного живописца Тимотео Вите. В 1500 г. он переехал в столицу Умб-рии Перуджу, чтобы продолжить образование в мастерской известного живописца, главы умбрийской школы Пьетро Перуджино. Молодой мастер быстро превзошел своего учителя Рафаэля называли Мастером Мадонн Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин — «Мадонна Конестабиле» (1502— 1503 гг), — приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля — «Обручение Марии» (1504 г) Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты Эта небольшая картина уже целиком принадлежит искусству Высокого Возрождения Главные действующие лица, группы девушек и юношей покоряют своим естественным изяществом Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты например, сближающиеся руки Марии и Иосифа, надевающего ей на палец кольцо В картине нет ничего лишнего, второстепенного Золотистые, красные и темно-зеленые тона, созвучные с мягкой голубизной неба, создают праздничное настроение.
В 1504 г Рафаэль переехал во Флоренцию Здесь его творчество обрело зрелость и спокойное величие В цикле Мадонн он варьировализображение молодой матери с Младенцем Христом и маленьким Иоанном Крестителем на фоне пейзажа Особенно хороша «Мадонна в зелени» (1505 г) В картине использована пирамидальная композиция Леонардо, а колориту присуща тонкая гармония красок
Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 г. его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце.
В этих помещениях Рафаэль и его ученики украсили потолки позолоченным стуком и росписями, пол выложили узорчатым мрамором, а каждую стену до декоративной панели покрыли многофигурными фресками. Росписи ватиканских станц (1509—1517 гг.) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и Италии.
Как и прежде, Рафаэль вновь обратился к излюбленному образу Мадонны с Младенцем. Мастер готовился к созданию своего великого шедевра — «Сикстинской Мадонны» (1515—1519 гг.) для церкви Святого Сикста в Пьяченце. В истории искусства «Сикстинская Мадонна» — образ совершенной красоты. Эта большая алтарная картина изображает не просто Божественную Мать с Божественным Младенцем, а чудо явления Небесной Царицы, несущей людям своего Сына как искупительную жертву. В обрамлении зелёных занавесей на светлых облаках стоит Мария с Младенцем на руках. Взгляд Её тёмных без блеска глаз устремлён мимо и как бы сквозь зрителя. Этому взору доступно то, что скрыто от других. В образе Христа, крупного красивого ребёнка, угадывается что-то не по-детски напряжённое и провидческое. Художник достиг здесь редкого динамического равновесия: кажущаяся ясная простота, черты отвлечённой идеальности, божественность чуда и реальная весомость форм сплетаются, дополняют и обогащают друг друга. Слева от Мадонны папа Сикст IV в молитвенном умилении созерцает чудо. Благоговейно потупившая взор Святая Варвара, принадлежащая, как и Мария, небесам, легко парит в облаках. Два ангелочка, облокотившиеся на парапет, смотрят вверх и возвращают внимание зрителя к центральному образу. Впервые в творчестве Рафаэля религиозный образ устанавливает полный контакт со зрителем. Это и определяет высокую и волнующую человечность картины.
В последние годы жизни Рафаэль создал росписи римской виллы Фар-незина. В её главном зале находится фреска «Триумф Галатеи» (1519 г.). Морская нимфа Галатея плывёт по морю на раковине, которую влекут дельфины. Окружающие её фантастические существа и летящие
маленькие амуры образуют проникнутую ликующей радостью композицию. В ней сочетаются золотистые тона обнажённых тел, синева моря и неба.
Под руководством Рафаэля в 1519 г. была завершена роспись так называемых Лоджий — построенной Браманте большой арочной галереи на втором этаже Ватиканского дворца. Многочисленные декоративные фрески исполнили ученики Рафаэля по его рисункам. Позже росписи были испорчены грубыми реставрациями. О творческой фантазии Рафаэля и его даре декоратора можно судить отчасти по копии росписей Лоджий, украсившей стены галереи Эрмитажного дворца (построена в Петербурге в 80-е гг. XVIII в. архитектором Джа-комо Кваренги).
Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, лёгкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внёс и в архитектуру. Само имя Рафаэля — Божественного Сан-цио — в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделённого божественным даром художника.
С великими почестями он был погребён в римском Пантеоне, где его прах покоится и поныне.

МИКЕЛАНАЖЕЛО
Микеланджело Буонарроти (1475— 15б4) — величайший мастер Высокого Возрождения, создавший выдающиеся произведения скульптуры, живописи и архитектуры.
Детство Микеланджело прошло в маленьком тосканском городке Ка-презе близ Флоренции. Юность и годы учения он провёл во Флоренции. В художественной школе при дворе герцога Лоренцо Медичи ему открылась красота античного искусства, он общался с великими представителями гуманистической культуры. Флоренции принадлежат почти все скульптурные работы Микеланджело. Он похоронен во флорентийской церкви Санта-Кроче. Однако в равной мере и Рим может быть назван городом Микеланджело.
В 1496 г. он приехал в Рим, где к нему вскоре пришла слава. Самое известное произведение первого римского периода — «Пьета» («Оплакивание Христа») (1498—1501 гг.) в капелле собора Святого Петра. На коленях слишком юной для такого взрослого сына Марии распростёрто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплёскивается наружу душевное страдание. Белый мрамор отполирован до блеска. В игре света и тени его поверхность кажется драгоценной.
Вернувшись во Флоренцию в 1501 г., Микеланджело взялся исполнить колоссальную мраморную статую Давида (1501—1504 гг.). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Она олицетворяет безграничную мощь человека. Давид только готовится нанести противнику удар камнем, пущенным из пращи, но уже ощущается, что это будущий победитель, полный сознания своей физической и духовной силы. Лицо героя выражает несокрушимую волю.
Изготовленная по заказу Флорентийской республики, статуя была установлена у входа в Палаццо Веккьо Открытие монумента в 1504 г. превратилось во всенародное торжество. «Давид» украшал площадь более трёх с половиной столетий. В 1873 г. монумент был установлен в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции. На старом месте, где поместил статую сам Микеланджело, теперь находится мраморная копия.
Микеланджело считал себя только скульптором, что, однако, не помешало ему, истинному сыну Возрождения, быть и великим живописцем, и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения — роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная Микеланджело в 1508-1512 гг.
Гробница папы Юлия II могла бы стать вершиной в области скульптуры, если бы Микеланджело удалось воплотить в жизнь свой первоначальный замысел. Проект Микеланджело был смел и грандиозен: сорок мраморных статуй должны были украсить мавзолей. Мастер взялся их изваять сам. Но гробницу в том виде, в каком её задумал Микеланджело, создать так и не удалось. После смерти Юлия II его наследники неоднократно заключали контракты с Микеланджело о возобновлении работ. Из предназначенных для гробницы статуй до нас дошли «Скованный раб» — сильный, коренастый юноша, который тщетно стремится освободиться от оков, и «Умирающий раб» — прекрасный юноша, который ожидает смерти как избавления от мук (около 1513 г.).
Для второго этажа гробницы Юлия II предназначалась статуя древнееврейского пророка Моисея (1515—1516 гг.). Тугими извивающимися прядями ниспадает его борода, в напряжении застыли мускулы мощного тела, грозен взгляд широко раскрытых глаз. Моисей в трактовке Микеланджело — народный вождь, человек вулканических страстей, прозорливый мудрец.
Многое в творчестве Микеланджело оставалось либо неосуществлённым, либо незаконченным. Обладавший на редкость независимым, резким и прямым характером, он тем не менее был вынужден служить всесильным заказчикам. На папском престоле сменялись владыки, и каждый следовал собственным вкусам, династическим и личным интересам. В 1520 г. Микеланджело получил заказ от папы Климента VII из рода Медичи. При флорентийской церкви Сан-Лоренцо, в которой были погребены члены семьи Медичи, мастеру предстояло построить и украсить скульптурой новую капеллу — их фамильную усыпальницу. Однако трагические события в Италии прервали работу над капеллой. В 1527 г. испанские войска Карла V заняли и разгромили Рим. Во Флоренции вспыхнуло народное восстание, и Медичи были свергнуты. К тому же в городе началась эпидемия чумы. Папа Климент VII в союзе с Карлом V организовал поход на Флоренцию, которая героически сопротивлялась. Во время осады Микеланджело руководил строительством укреплений. После падения республики от расправы его спасло лишь тщеславие Климента VII, мечтавшего увековечить свой род руками величайшего мастера. В условиях жестокого террора вернувшихся к власти Медичи, глубокого унижения Италии, гибели друзей и сподвижников в 1531 г Микеланджело возобновил прерванную работу над созданием капеллы, которая принадлежит к числу его самых замечательных произведений.
Во Флоренции Микеланджело не чувствовал себя в безопасности. В 1534 г. он покинул родной город и переехал в Рим, где по заказу папы Павла III написал на торцевой стене Сикстинской капеллы знаменитую фреску «Страшный суд» (1536— 1541 гг.) На фоне холодного сине-пепельного неба множество фигур охвачено вихревым движением Господствует трагическое чувство мировой катастрофы. Близится час возмездия, ангелы возвещают о наступлении Страшного суда. Движение гигантских толп развертывается по кругу Справа неумолимым потоком низвергаются в ад грешники. Их тащат за собой дьяволы, преследуют бескрылые ангелы Слева возносятся к небесам праведники. В центре высится могучая обнажённая фигура Христа, вершащего Суд. Грозный, непреклонный, прекрасный в гневной беспощадности, он больше похож на языческого бога-громовержца. Поникшая Богоматерь полна глубокой скорби перед лицом безмерных человеческих страданий. Святой Варфоломей — символ устрашающего отчаяния. В руках святого — содранная с него кожа, на которой Микеланджело изобразил в виде искажённой страданиями маски своё лицо.
Фреска была закончена Микеланджело в 1541 г. Для Италии это было время усиливающегося нажима Католической Церкви на гуманистическую культуру. Высокие, светлые идеалы, которым мастер поклонялся всю жизнь, ушли в прошлое Творение шестидесятишестилетнего Микеланджело вызвало резкое недовольство в церковных верхах. Папа Павел IV Караффа счёл это произведение непристойным, так как в нем было множество обнажённых фигур Микеланджело было предложено задрапировать некоторые фигуры, на что художник ответил- «Скажите папе, что это дело маленькое и уладить его легко Пусть он мир приведет в порядок, а картинам сообщить пристойность можно очень быстро» Даниеле де Вальтерра, преданный ученик Мике-ланджело, внес во фреску требуемые изменения, постаравшись, однако, уберечь ее от сильного искаженияВ последние десятилетия жизни мастер занимался только архитектурой и поэзией Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило своё время, оно сыграло грандиозную роль в мировом искусстве, а также оказало влияние на формирование принципов барроко.

АЖОРАЖОНЕ
В историю искусства Высокого Возрождения яркую страницу вписала Венеция, где этот период продолжался до середины XVI в. Особое великолепие город приобрёл после перестройки его центра учеником Браманте Якопо Сансовино (I486— 1570). Напротив Дворца дожей он воздвиг монументальную библиотеку Сан-Марко с ажурным фасадом, органично связав её с ансамблем площади. У подножия колокольни собора Сан-Марко мастер построил небольшое изящное здание — Лод-жетту, а в 1532—1537 гг. на Большом канале — нарядное палаццо Корнер делла Ка-Гранде.
Наивысшего расцвета в XVI в. достигла венецианская живопись с её богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия, и в первую очередь поэтически-созерцательным творчеством Джованни Беллини, учителя великих мастеров Джорджоне и Тициана.
С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.
Джордже Барбарелли да Кас-тельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или 1477—1510), родился в маленьком городке Кас-тельфранко, о его жизни сохранились скупые сведения. Известно, что он, красивый и обаятельный человек, обладал исключительным талантом живописца и был превосходным музыкантом. Джорджоне сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупные работы, выполненные по заказам, не сохранились.
Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне — художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. Музыка, меланхолия, созерцательное настроение — естественное содержание его картин, в которых как будто нет сюжета, нет и активного действия, но присутствует порой сложный подтекст Вместе с тем творчество Джорджоне человечно, полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне — «Юдифь» (около 1502 г.) — посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Она отправилась в стан врагов и убила их полководца — Олоферна. Войско неприятеля отступило. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в картине высшую справедливость.
Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в свой внутренний мир. Его полные жизни произведения светского характера навеяны античной ^мифологией, аллегориями или литературными произведениями. Знаменитая картина «Гроза» (около 1505 г.) пол^ на таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряжённо застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. Единство человека и природы воплощено и в ранней картине Джорджоне «Три философа», и в более позднем чудесном «Сельском концерте», где в спокойный пейзаж с округлыми купами деревьев под облачным небом вписана группа из юношей-музыкантов и обнажённых женщин. В 1507— 1508 гг. Джорджоне создал «Спящую Венеру» — самый прекрасный идеальный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и Тициан дописал в ней пейзаж.
Широко известный при жизни, Джорджоне был забыт уже в конце XVI столетия, его творчество открыли заново лишь во второй половине XIX в. Сильное влияние он оказал на своего ученика Тициана, который по натуре, характеру и масштабу дарования был ему во многом противоположен.
ТИЦИАН
В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477—1576). Он родился в местечке Пьеве ди Кодоре близ Альп, учился в Венеции у Джентиле и Джованни Беллини, в 1507 г. перешёл к Джорджоне и стал его помощником.
Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он один из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на её развитие в XVII столетии. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты — со сценами ликующей радости, религиозные композиции — с мифологическими и историческими картинами. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всём венецианском искусстве.
Долгая жизнь Тициана делится на четыре творческих периода. Ранний (до 1519 г.) проникнут спокойным, радостным настроением, ощущением счастливой полноты жизни.
Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной картине этого периода «Любовь небесная и земная» (1515—1516 гг.). Картина радует прежде всего превосходной живописью, особенно в изображении сияющего красотой обнажённого женского тела и роскошных тканей. Слава Тициана росла, вскоре он стал известен за пределами Италии.
Во втором периоде творчества (1519—1530 гг.) Тициан создал для церкви Санта-Мария дельи Фрари огромную алтарную картину «Вознесение Марии» (1516—1518 гг.), более известную как «Ассунта». На примере этого шедевра Тициана можно судить о том, насколько естественно и безупречно точно монументальные полотна великих венецианцев были связаны с архитектурным интерьером, являясь его драгоценным украшением. Картина подобна целостному организму, все части которого охвачены стремительным и торжественным движением. Прекрасная земной красотой Мария в темно-красной одежде неудержимо и плавно поднимается ввысь в золотистом токе воздуха; широк, одухотворён жест Её воздетых к небу рук, Она оставляет на Земле смятенных, взволнованных апостолов. В третьем периоде творчества (начиная с 1530 г.) возрос интерес художника к народным типам, деталям быта. Всё это, однако, не выходило за пределы общей направленности его искусства. Картина «Введение во храм» (1534—1538 гг.) решена Тицианом как великолепное красочное зрелище: девочка Мария торжественно шествует в храм по широкой лестнице. Написанная в 1538 г. для герцога Урбинского «Лежащая Венера» или «Венера Ур-бинская» по сравнению с богиней Джорджоне более тесно связана с реальной жизнью. Облокотившись на подушки, она непринуждённо раскинулась на ложе со спящей собачкой в ногах в просторной дворцовой комнате, где на дальнем плане служанки достают платье из большого сундука. Кажется, что Венера спустилась на землю, чтобы принять облик привлекательной и женственной венецианки. С тончайшим мастерством живописец передал нежность и теплоту её обнажённого тела. В эти годы он создал немало изображений золотоволосых красавиц — мифологических героинь. 40-е гг. отмечены расцветом портретного искусства Тициана.
В последний период творчества, начиная с 50-х гг. (это уже эпоха позднего Возрождения), Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. Он написал картину «Бичевание Христа», где освещённые во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзённый стрелами, но не сломленный, возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением. Колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные
мазки сглаживают чёткость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует.
Последняя большая алтарная картина Тициана — «Оплакивание Христа» (1573—1576 гг.). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе.
Тициан пережил крушение ренес-сансных идеалов, творчество мастера принадлежит уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет своё величие.
ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ
Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нём укреплялись антиренессансные антиклассические тенденции, воплотившиеся в маньеризме (см. статью «Искусство маньеризма»)
Маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства. Хотя торговое и политическое значение Венецианской республики неуклонно падало, как и её могущество, Город Лагун по-прежнему был свободен и от власти Папы римского, и от иноземного владычества, а накопленные им богатства были огромны. В этот период уклад жизни Венеции и характер её культуры отличались таким размахом и великолепием, что, казалось, ничто не свидетельствовало о закате слабеющего Венецианского государства. В русле высокой гуманистической ренессансной традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащённое новыми формами творчество великих мастеров позднего Возрождения — Палладио,Веронезе, Тинторетто.

АНДРЕА ПАЛЛААИО
Андреа Палладио (1508—1580) — крупнейший ренессансный архитектор Северной Италии в эпоху позднего Возрождения. Он родился в Падуе, большое влияние на него оказали североитальянские гуманисты. Поэт Джанджорджо Триссино из Виченцы, учитель Андреа ди Пьетро делла Гондола, дал ему имя Палладио (от греческой богини Афины Паллады), потому что считал этого юношу способным возродить красоту и мудрость древних греков. Для изучения античных памятников Палладио неоднократно посещал Рим, а также Верону, Сплит в Хорватии, Ним во Франции. Палладио заложил принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII— XVIII вв. и получили название палла-дианства. Свои идеи Палладио изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570 г) Композиции Палладио исполнены естественности, покоя, завершённости, строгой упорядоченности;
ясна и целесообразна планировка зданий, связанных с окружающей средой. Постройки Палладио украсили Виченцу, Венецию и прилегающие к ним загородные местности.
Виченца считается городом Палладио. Его первое крупное здание здесь — Базилика (1549 г.), основой которой стала ратуша XIII в. Архитектор заключил старую постройку в двухъярусную ордерную аркаду из белого мрамора. Зодчий часто строил в Виченце дворцы и загородные виллы. Важную роль он отводил в них фасаду. Например, фасад палаццо Кьерикати (1560 г.), вытянутого вдоль площади, после Базилики самого монументального сооружения в Виченце, буквально пронизан воздухом. Нижний этаж его занимает сплошная мощная колоннада — галерея; на верхнем этаже глубокие лоджии расположены по углам.
Опоясывающие Виченцу виллы, построенные Палладио, разнообразны. Но их объединяют общие принципы, отвечающие требованиям удобства, чувству меры, симметрии и свободы композиции, гармонично связанной с окружающей природой. Самая знаменитая вилла «Ротонда» (1551—15б7 гг.) близ Виченцы — первое центрально-купольное здание светского назначения. Блестяще найденное Палладио композиционное и пластическое решение «Ротонды» послужило в будущем прообразом для многих храмов и мавзолеев. Белая вилла стоит на холме, в долине, в чудесной живописной местности. Она представляет собой в плане Последнее произведение Палладио в Виченце начато в год его смерти Театр «Олимпико» (1580 г) — первое монументальное театральное здание в Италии Строительство завершил архитектор Скамоцци Палладио использовал здесь тип римского театра, хотя и придал зрительному залу не круглую, а эллипсовидную форму И этот обнесенный колоннадой овал, и фасад сцены украшены многочисленными статуями На сцене находятся постоянные декорации, изображающие пять расходящихся, застроенных дворцами и домами улиц Есть что-то волнующее, торжественное и печальное в тихом пустом пространстве театра, некогда поражавшего воображение своими волшебными зрелищами.
Постройки и архитектурные идеи Палладио оказали сильнейшее влияние на последующее развитие европейского зодчества, особенно в Англии, Франции и России квадрат с вписанным в него круглым залом, перекрытым куполом На каждой стороне кубического здания находятся фронтонные портики с вынесенными вперед лестницами В склонах холма скрыты хозяйственные помещения
В Венеции Палладио воздвиг церкви Сан-Джорджо Маджоре (начата в 15б5 г) и Иль Реденторе (1577—1592 гг), которые в плане имеют форму латинского креста Расположенная на острове того же названия церковь Сан-Джорджо Маджоре включила в центральный ансамбль Венеции водное пространство лагуны, завершив своим силуэтом важнейшие аспекты города

ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ
Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе Паоло Кальяри (1528—1588), уроженец Вероны, потому и прозванный Веронезе, провел детство и годы учения в родном городе В 1558 г мастер получил приглашение принять участие в украшении Дворца дожей в Венеции, где он быстро прославился Красота Венеции, ее роскошная жизнь и художественные сокровища произвели на молодого живописца неизгладимое впечатление Художник-монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей Блестящий мастер колорита, Веронезе писал в светозарной гамме насыщенных звучных цветов и тончайших оттенков, объединенных общим серебристым тоном.
Одна из лучших работ молодого Веронезе — росписи потолка церкви Сан-Себастьяно в Венеции (1556— 1557 гг), посвященные истории библейской героини Эсфири Мастер использовал эффект «прорыва» потолка, в результате чего перед зрителями «открывалось» голубое небо Фигуры были изображены в головокружительных ракурсах В композиции «Триумф Мардохея» вздыбленные кони, всадники и воины, развевающиеся одеяния и знамя, вознесенный в высоту фрагмент архитектурного сооружения с многолюдной толпой за балюстрадой — все создает впечатление действительно триумфального торжества Сочетание холодных серебристых и голубых тонов, горячие вспышки пурпура, оранжевого, контрасты чер ного и розового бесконечно радуют глаз Роспись Веронезе принесла ему шумный успех в Венеции
В годы творческого расцвета Веронезе украсил росписями виллу Барбаро-Вольпе в Мазере (15б0— 15б1 гг), построенную Андреа Пал-ладио Эти фрески стали одним из крупнейших достижений монумен тально-декоративной живописи.
Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты, которые художник, черпавший вдохновение в общественной жизни Венеции, наполнил впечатлениями от многолюдных и ярких венецианских празднеств Эти произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» К ним относятся, в частности, картины «Брак в Кане» (15б3 г) и «Пир в доме Левия"(1573 г) На огромном полотне "Брак в Кане", на котором запечатлены около ста тридцати фигур, сцена пиршества развертывается у подножия роскошной дворцовой террасы с белой аркадой и балюстрадой на фоне сияющей синевы неба В многолюдной, полной движения красочной толпе художник поместил европейских государей, а в облике музыкантов на переднем плане изобразил Тициана, Тинторетто и самого себя
Еще грандиознее и декоративнее "Пир в доме Левия", который происходит в великолепной монументальной трехпролетной лоджии Языческая жизнерадостность картины привлекла внимание святейшей инквизиции Сохранился допрос художника, в котором его обвиняли в том, что в евангельской сцене он изобразил «шутов, пьяных немцев, карликов и прочие глупости»

ТИНТОРЕТТО
Полной противоположностью Веро-незе был его современник Тинто-ретто (1518—1594), настоящее имя которого Якопо Робусти Он родился в Венеции и был сыном красильщика, отсюда и прозвище мастера — Тинторетто, или Маленький Красильщик
Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского Возрождения В своем творчестве он был гигантской фигурой, творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве Недаром его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у последующих поколений Тинторетто отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий Он острее и глубже, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени Мастер восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности, расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Он создатель массовых сцен, проникнутых единством переживания.
В 1539 г. живописец открыл в Венеции свою мастерскую. Ранние работы Тинторетто мало известны. Славу ему принесла картина «Чудо Святого Марка» (1548 г.). Выразительность форм и насыщенная цветовая гамма из крупных пятен красного и синего создают впечатление чуда, происходящего на глазах у смятенной толпы. Стремительно летящий вниз головой Святой Марк в развевающейся алой одежде останавливает казнь несправедливо осуждённого. Реставрация последних десятилетий обнаружила во всём великолепии богатую красочную палитру мастера.
Необычна картина «Введение во храм» в церкви Санта-Мария дель Орто (1555 г.). Тинторетто изобразил идущую круто вверх полукруглую асимметричную лестницу. Мария уже достигла её вершины, и второстепенные персонажи на переднем плане, в том числе женщина с девочкой, жестами и взорами направляют к ней внимание зрителя. Художник выразительно и смело построил композицию по диагонали — самому динамичному приёму в живописи. В картине Тинторетто выразил идею духовного совершенствования человека.
В Венеции из-за климатических условий для украшения зданий использовали не фресковую живопись, а огромные картины, написанные в технике масляной живописи. Тинторетто — мастер монументальных полотен, автор гигантского ансамбля, состоящего из нескольких десятков работ. Они выполнены для верхнего и нижнего залов Скуолы ди Сан-Рокко (школы Святого Роха;1565—1588гг.).
Оформление Скуолы ди Сан-Рокко мастер начал с создания грандиозной монументальной композиции «Распятие». Изображение со множеством персонажей — зрителей (мужчин и женщин), воинов, палачей — полукольцом охватывает центральную сцену распятия. У подножия креста близкие и ученики Спасителя образуют редкую по духовной силе группу. В сиянии красок на сумеречном небе Христос будто охватывает руками, пригвождёнными к перекладинам креста, беспокойный, волнующийся мир, благословляя и прощая его. И в поздние годы жизни Тинторетто привлекали массовые сцены. Созданная им для Дворца дожей «Битва при Царе» (около 1585 г.) занимает целую стену. В сущности это первая подлинно историческая картина в европейской живописи. Для того чтобы передать в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий, цветовые удары, вспышки света. Вся в движении, картина словно отражает бурное столкновение стихий.
Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии.

ИСКУССТВО МАНЬЕРИЗМА
Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит от итальянского слова maniera — «манера», «приём», «художественный почерк». Впервые этот термин появился в европейском искусствоведении в 20-х гг. XX в., а исследование маньеризма породило обширную научную литературу со спорными оценками и точками зрения.
Маньеризм в своём наиболее общем выражении обозначает антиклассическое течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшееся вплоть до 1590 г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия человека, который оказывается во власти сверхъестественных сил. Мир предстаёт неустойчивым, шатким, в состоянии распада. Образы полны тревоги, беспокойства, напряжённости, художник удаляется от натуры, стремится её превзойти, следуя в своём творчестве субъективной «внутренней идее», основой которой является не реальный мир, а творческое воображение; средством же исполнения служит «прекрасная манера» как сумма определённых приёмов. Среди них — произвольная вытяну-тость фигур, сложный змеевидный ритм, нереальность фантастического пространства и света, подчас холодные пронзительные краски.
Первый этап итальянского маньеризма охватывал 20—40-е гг. XVI в. и представлял собой сравнительно узкое течение, наиболее ярко воплощённое в живописи Самым крупным и одарённым мастером сложной творческой судьбы был Якопо Понтормо (1494—1556) В его известной картине «Снятие с креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки.
Первое поколение маньеристов завершает Франческо Маццола, прозванный Пармиджанино (1503— 1540), изощренный мастер и блестящий рисовальщик Он любил поразить зрителя например, написал свой автопортрет в выпуклом зеркале. Намеренная нарочитость отличает его известную «Мадонну с длинной шеей» (1538—1540 гг).
Второй этап маньеризма (1540— 1590 гг.) превращается в Италии в широкое течение, охватывающее живопись, скульптуру и архитектуру. Маньеризм становится придворно-аристократическим искусством, которое первоначально развивается в герцогствах Пармы, Мантуи, Феррары, Модены, а затем утверждается во Флоренции и Риме.
В произведениях живописи нарастают бездушная холодность и вычурность приёмов; постепенно картины становятся похожими на декоративные панно, предназначенные для украшения стен. Самый крупный мастер — художник двора Медичи Аньоло Бронзино (1503— 1572), особенно известный своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги итальянского общества. Знатные заказчики Бронзино как бы отделены от зрителя невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд, жесты прекрасных праздных рук — словно внешняя оболочка, скрывающая внутреннюю ущербную жизнь.
В портрете Элеоноры Толед-ской с сыном (около 1545 г.) недоступность холодно отчуждённого образа усилена тем, что внимание зрителя полностью поглощено плоским крупным узором великолепной парчовой одежды герцогини.
Созданный маньеризмом тип придворного портрета оказал влияние на портретное искусство XVI— XVII столетий в других странах, где он обычно развивался на живой, здоровой, подчас более прозаичной местной основе.
Стиль придворного портрета, разработанный маньеризмом, оказал влияние на портретное мастерство XVI—XVII столетий во многих странах Европы.
Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля — барокко.









Скачали данный реферат: Pyhtin, Александра, Увакин, Тигрия, Клим, Кочерёжкин.
Последние просмотренные рефераты на тему: решебник по английскому класс, сообщение об открытии счета, диплом работа, инновационная деятельность.



1

Поделитесь этой записью или добавьте в закладки