История музыки

Категория реферата: Рефераты по музыке
Теги реферата: реферат,, учет диплом
Добавил(а) на сайт: Lavra.

Конечно, в это двадцатилетие не все окрашивалось столь безрадостным светом.
Был и частичный успех, и формальное признание заслуг. Но величие Берлиоза не понято было современниками на его родине. Лишь позже, в 1870-х годах его провозгласили главой новой французской музыкальной школы.

Вольфганг Амадей Моцарт (1756 — 1791)
Австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью.
Выступал как клавесинист-виртуоз , скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца — Л. Моцарта.
Первые сочинения появились в 1761. С 5-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии,
Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии, академии в Болонье. В 1769—81 (с перерывами) состоял на придворной службе у архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781 переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля». «Свадьба Фигаро»; выступал в концертах («академиях») . В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу
«Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3 наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. В 1789 и 1790 выступал с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»; работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.
Моцарт наряду с И. Гайдном и Л. Бетховеном является представивелем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной организации. В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного преобразования реальности, Одновременно в нём нашли развитие качества новых для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально- характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта — человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера.
Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных музыкальных образов в процессе их взаимодействия.
В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской школы, а также старшие современники И. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и
К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.
Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла.
Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.
Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества — музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматургии и музыкально-симфонических закономерностей, индивидуальность драматургии.
Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее», в «Свадьбе Фигаро» . На базе оперы-буффа пришел к реалистической музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»).
Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм отличается драматургия оперы «Дон Жуан».
Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта — симфонии, камерные ансамбли. концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у
Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симф. D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur).
Симфонии Моцарта — важный этап в истории мирового симфонизма. Среди камерно
- инструментальных ансамблей выделяются по значению струнные квартеты и квинтеты, скрипичные и фортепьянные сонаты. Ориентируясь на достижения И.
Гайдна, Моцарт разработал тип камерно - инструментального ансамбля, отличающийся утончённостью лирико-философской эмоции, развитым гомофонно- полифоническим складом, сложностью гармонии языка.
В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно . Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, изяществом.
Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т. ч. песен, арий, бытовой музыки для оркестров и ансамблей. Из поздних образцов наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка
Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты. оратории и др.: среди выдающихся сочинений : мотет «Ave verum corpus», реквием.
Сочинения: оперы - духовный зингшпиль (сценическая оратория) Долг первой заповеди (Die
Schuldigkeit des ersten Gebotes, 1-я часть коллективного сочинения, 1767,
Зальцбург), школьная опера (латинская комедия) Аполлон и Гиацинт, или
Превращение Гиацинта (Apollo et Hyacintus, seu Hyacinthi Metamorphosis, либретто P. Видля по "Метаморфозам" Овидия, 1767, Зальцбургский университет);
Импрессионизм (франц. impressionnisme, от impression - впечатление), направление в искусстве последней трети 19 - начале 20 вв. И. сложился во французской живописи конца 1860 - начала 1870-х гг. В пору его зрелости
(1870-е - 1-я половина 1880-х гг.)
Применение термина "И." к музыке во многом условно - музыкальный И. не составляет прямой аналогии к И. в живописи и не совпадает с ним хронологически (время его расцвета - 90-е гг. 19 в. и 1-е десятилетие 20 в.). Главное в музыкальном И. - передача настроений, приобретающих значение символов, тонких психологических нюансов, тяготение к поэтической пейзажной программности. Ему свойственны также рафинированная фантастика, поэтизация старины, экзотика, интерес к тембровой и гармонической красочности. С основной линией И. в живописи его роднит восторженное отношение к жизни; моменты острых конфликтов, социальных противоречий в нём обходятся.
Классическое выражение музыкальный И. нашёл в творчестве К. Дебюсси; черты его проявились и в музыке М. Равеля, П. Дюка, Ф. Шмитта, Ж. Ж. Роже-Дюкаса и др. французских композиторов.
Музыкальный И. унаследовал многие особенности искусства позднего романтизма и национальных музыкальных школ 19 в. ("Могучая кучка", Ф. Лист, Э. Григ и др.). В то же время чёткому рельефу контуров, сугубой материальности и перенасыщенности музыкальной палитры поздних романтиков импрессионисты противопоставили искусство сдержанных эмоций и прозрачной, скупой фактуры, беглую переменчивость образов.
Творчество композиторов-импрессионистов во многом обогатило выразитедьные средства музыки, особенно сферу гармонии, достигшей большой красоты и утончённости; усложнение аккордовых комплексов сочетается в ней с упрощением и архаизацией ладового мышления; в оркестровке преобладают чистые краски, капризные блики, ритмы зыбки и неуловимы. Красочность ладогармонических и тембровых средств выдвигается на первый план: усиливается выразительное значение каждого звука, аккорда, раскрываются неизвестные ранее возможности расширения ладовой сферы. Особую свежесть музыке импрессионистов придавало их частое обращение к песенно-танцевальным жанрам, к элементам музыкального языка народов Востока, Испании, ранних форм негритянского джаза.
В начале 20 в. музыкальный И. распространился за пределы Франции. Его оригинально развивали М. де Фалья в Испании, А. Казелла и О. Респиги в
Италии. Самобытные черты присущи английскому музыкальному И. с его
"северной" пейзажностью (Ф. Делиус) или пряной экзотикой (С. Скотт). В
Польше экзотическую линию музыкального И. представлял К. Шимановский (до
1920), тяготевший к ультрарафинированным образам античности и Древнего
Востока. Влияние эстетики И. на рубеже 20 в. испытали и некоторые русские композиторы, в частности А. Н. Скрябин, на которого воздействовал одновременно и символизм; в русле русского И., причудливо сочетавшегося с влиянием школы Н. А. Римского-Корсакова, начинал свой путь И. Ф.
Стравинский, в последующие годы возглавивший антиимпрессионистскую тенденцию в западноевропейской музыке.
Ференц Лист (1811-1886)Очень яркая и многогранная романтическая личность 2- й половины 19-го века. Гениальный пианист и композитор. Новатор.
Музыкальный критик, который написал много статей о музыке (“Письма странствующего бакалавра”, “Исследование музыки венгерских цыган”). Лист – педагог огромного масштаба. За жизнь у него было около 300 учеников из разных стран. Будучи бескорыстным по натуре, он посвятил большую часть своей жизни пропаганде других композиторов. Всего у Листа около 1200 произведений. Примерно половина из них – транскрипции и парафразы на темы других композиторов. Он поддерживал композиторов разных национальных школ:
Шопена, Сметану, Грига, Шумана, Вагнера, Берлиоза, Бородина, Римского-
Корсакова. Лист очень любил кучкистов.
Родился Лист в Венгрии. По национальности – венгр. Многие его произведения связаны с Венгрией. Элементы народных танцев и песен вошли в его произведения, обогащённые общеевропейскими достижениями, но есть и элементы венгерского фольклора. Произведения, связанные с Венгрией: кантата
“Венгрия”, симфоническая поэма “Венгрия”, героический марш в венгерском стиле, несколько тетрадей национальных венгерских и рапсодий, а также ещё
19 венгерских рапсодий, “Венгерская коронационная месса”.
Лист был страстным пропагандистом идеи программности в музыке. Он воплотил в музыке образы произведений Данте, Петрарки, Гёте. Он передавал в музыке и содержание живописи Рафаэля (“Обручение”), скульптуры Микеланджело
(“Мыслитель”). Лист – композитор-новатор. В связи с программностью он переосмыслил классические жанры и формы и создал свой новый жанр – симфоническая поэма. Симфоническая поэма – одночастное симфоническое произведение, которое сочетает в себе черты цикличности и других форм, например сонатной. У Листа 13 симфонических поэм. Метод развития материала в них монотематический (из одной темы вырастают другие). Музыка Листа отличается особой патетикой, приподнятостью, ораторским пафосом, т.к. он всегда пытался воздействовать на большую массу людей. Большинство его произведений – произведения для фортепиано. “Годы странствий” – это фортепианный цикл из программных пьес. В нем 3 части: “Год первый” –
Швейцария, “Год второй” – Италия, “Год третий” - Рим.
Лист написал 13 симфонических поэм. Почти все они написаны в центральный
Веймарский период. В этом жанре он обращается к шедеврам мировой литературы. У Листа есть симфонические поэмы - “Орфей”, “Гамлет”, “Тассо”,
“Что слышно на горе?”, “Мазепа”, “Прелюды”.
Лист – создатель жанра симфоническая поэма. Это – одночастное произведение для симфонического оркестра, в котором сочетаются черты разных форм, например, сонатной и циклической формы. Это – программное произведение.
Программность эта более обобщенная, а не сюжетно-описательная, как у
Берлиоза. В центре всегда один герой - героическая личность. Заканчиваются симфонические поэмы обычно апофеозом. Наличие одного главного героя рождает принцип монотематизма. Все темы симфонической поэмы происходят из первой начальной темы. Преобразование тем часто жанровое. Например: менуэтные, маршеобразные, ноктюрновые и т.д.
“Прелюды” – симфоническая поэма. Программой служит стихотворение Ламартина с одноименным названием – “Прелюды”. Смысл в том, что земная жизнь человека является лишь прелюдией к основной – небесной жизни. Человек проходит через жизнь, встречая радости и невзгоды, и уходит на небо. Лист выразил в поэме этапы земной жизни человека.
Морис Равель(1875—1937)
Французский композитор. В 1889—1905 занимался в Парижской консерватории , в т. ч. у Ш. В. де Берио (фортепьяно), Г. Форе (композиция). Художник высокой культуры, Равель уделял особое внимание французской литературе (как классической, так и современной) и живописи (увлекался импрессионистами).
Он проявлял большой интерес к фольклору (французскому, испанскому и др.).
Существенное место в творчестве занимает испанская тематика (мать Равеля — испано-баскского происхождения ; его педагог Берио был почитателем испанского искусства). Многое воспринял Равель от музыки Э. Шабрие, Э.
Сати, особенно К. Дебюсси, а также русских композиторов — А: П. Бородина,
Н. А. Римского-Корсакова и особенно М. П. Мусоргского (работал совместно с
И. Ф. Стравинским над партитурой «Хованщины» для постановки оперы в Париже, оркестровал «Картинки с выставки», в опере «Испанский час» Равель , по его собственным словам, наследовал принципам «Женитьбы» Мусоргского).
Равель давал концерты как пианист и дирижёр, исполнял преимущественно свои сочинения (в 20-х гг. совершил концертное турне по странам Европы и
Северной Америки), выступал с музыкально-критическими статьями. Во время 1- й мировой войны 1914—1918 вступил добровольцем в действующую армию. Война вызвала к жизни глубоко драматические произведения Равеля , в т. ч. фортепьянный концерт для левой руки, написанный по просьбе австрийского пианиста П. Витгепштейна, потерявшего на фронте правую руку; погибшим друзьям он посвятил фортепьянную сюиту «Гробница Куперена» (1917). В последние годы жизни из-за тяжёлой прогрессирующей болезни (опухоль мозга) прекратил творческую деятельность.
Ярчайший представитель мировой музыкальной культуры 1-й половины 20 в.,
Равель продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической звукописи, колористической гармонии и оркестровки, экзотической ритмики.
Вместе с тем в ряде произведений проявились неоклассицистские тенденции. В творчестве Равеля представлены разнообразные жанры: «Испанская рапсодия»
(1907), «Вальс» (1920), а также Болеро (1928) для оркестра — одна из вершин французского симфонизма 20 в., опера «Испанский час» (1907), опера-балет
«Дитя и волшебство» (1925) и др. Равелю подвластна стихия танцевальных ритмов разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях — балет (хореография, симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина,
1912), Болеро, «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепьяно ,
1911) и др., а также в таких произведениях , как Соната для скрипки и фортепьяно (2-я часть — блюз), опера «Дитя и волшебство» (фокстрот Чайника и Чашечки) и др. Творчество , открытия Равеля в области гармонии, ритма, лада, оркестровки привели к новым стилистическим течениям в музыкальном искусстве 20 в. В 1975 в Лионе открыт концертный зал «Аудиториум М.
Равеля».
Сочинения: оперы-

Испанский час (L'heure espagnole, комическая опера, либретто М. Франк-
Ноэна, 1907, поставлена 1911, театр "Опера комик", Париж), Дитя и волшебство (L'enfant et les sortilиges, лирическая фантазия, опера-балет, либретто Г. С. Колет, 1920-25, поставлена 1925, Монте-Карло); балеты-

Дафнис и Хлоя (хореографическая симфония в 3 частях, либретто М. М. Фокина,
1907-12, поставлен 1912, театр "Шатле", Париж), Сон Флорины, или Матушка- гусыня (Ma mire l'оуе, на основе фортепианных пьес того же названия, либретто P., поставлен 1912 "Театр искусств", Париж), Аделаида, или Язык цветов (Adеlaide ou Le langage des fleurs, на основе фортепианного цикла
Благородные и сентиментальные вальсы, либретто P., 1911, поставлен 1912, театр "Шатле", Париж).
Франц Шуберт 1797 - 1828
Шуберт относится к первым романтикам (заря романтизма). В его музыке ещё нет такого сгущённого психологизма, как у более поздних романтиков. Это композитор – лирик. Основа его музыки – внутренние переживания. Передаёт в музыке любовь и многие другие чувства. В последнем произведении главная тема – одиночество. Он охватил все жанры того времени. Внёс очень много нового. Лирическая природа его музыки предопределила его главный жанр творчества – песню. У него более 600 песен. Песенность повлияла на инструментальный жанр двумя путями:
Использование песенных тем в инструментальной музыке (песня “Скиталец” стала основой фортепианной фантазии, песня “Девушка и смерть” стала основой квартета).
Проникновение песенности в другие жанры.
Шуберт – создатель лирико-драматической симфонии (неоконченной). Тематизм песенный, изложение песенное (неоконченная симфония: I-я часть – г.п., п.п.. II-я часть – п.п.), принцип развития – форма, как и у куплета, законченная. Это особенно заметно в симфониях и сонатах. Кроме лирической песенной симфонии он ещё создал эпическую симфонию (C-dur). Он – создатель нового жанра – вокальной баллады. Создатель романтической миниатюры
(экспромты и музыкальные моменты). Создал вокальные циклы (у Бетховена был к этому подход). Творчество огромно: 16 опер, 22 фортепианных сонаты, 22 квартета, другие ансамбли, 9 симфоний, 9 увертюр, 8 экспромтов, 6 музыкальных моментов; музыка, связанная с бытовым музицированием – вальсы, ленглеры, марши, более 600 песен Вокальный циклЫ “Прекрасная мельничиха”,
«Зимний путь», Шуберт написал 9 симфоний. При жизни ни одна из них не была исполнена. Он является основоположником лирико-романтической симфонии
(неоконченная симфония) и лирико-эпической симфонии
Роберт Александр Шуман1810 - 1856
Относится ко 2-му поколению романтиков. Ещё острее чувствовал разницу между тонкой, чувствительной натурой художника и окружающим миром. Он всю жизнь восставал против мещанства. Это проявляется и в музыке. Музыка Шумана отличается особо острым психологизмом, глубоко проникает в состояние души человека. Он очень тонко отразил в музыке смену этих состояний. У него присутствует непосредственное соприкосновение страстного порыва и погружения в мир грёз. Во многом он отразил свойства своей натуры – двойственность.
Важное свойство музыки Шумана – фантазия, но это – не народная фантастика, а как бы мир его души, видения, грёзы, очень индивидуализированная. Это проявляется и в музыкальной критической деятельности. Он был очень одарён в области литературы. Писал романы, повести, а также статьи в жанре новеллы, пьесы, писем, диалогов и другие произведения. Героями этих статей были очень необычные персонажи. Он придумал для себя “Давидово братство” – общество. Его члены – давидсбюндлеры. Туда он включил Моцарта, Паганини,
Шопена, а также Клару Вик (его жену), а также: Флорестан и Эвзебий.
Флорестан и Эвзебий – это выдуманные имена (это – как бы две половины его личности, которые спорили между собой). Он использовал их, как псевдонимы.
Маэстро Раро мирил мечтательного Эвзебия и бурного Флорестана.
Шуман поддерживал всё лучшее в искусстве. Он первый заговорил о Шопене, поддержал Берлиоза, писал статьи о Бетховене. Последней его статьёй была статья о Брамсе. В 1839 г. он отыскал симфонию Шуберта – C-dur и исполнил её, а в 50-м году стал одним из организаторов Бетховенского общества. Творчество Шумана связано с немецкой романтической литературой. Его любимый поэт – Жанн Поль (настоящая фамилия – Рихтер). Под впечатлением от произведений этого писателя была написана пьеса – “Бабочки”. Любил поэта Гофмана. Под влиянием его произведений была написана “Крейслериана”. Большое влияние оказал Гейне. На его стихи были написаны вокальные циклы – “Круг песен” и “Любовь поэта”.
Шуман любил использовать в своих произведениях карнавал (потому, что есть смена персонажей). Музыкальный язык Шумана очень тонкий. Связь с народной музыкой не такая, как у Шуберта. Нет явного примера. Мелодии более декламационные. Усложняется гармонический язык. Фактура тонкая, мелодизированная и полифоническая. Ритм капризен, прихотлив.
Шуман написал много произведений: около 50 сборников пьес для фортепиано, вариации на тему Абегг, “Бабочки”, “Карнавал”, симфонии, этюды, “Танцы давидсбюндлеров”, фантастические пьесы, “Крейслериана”, “Венский карнавал”, новеллетты и др., 3 сонаты для фортепиано, фантазия, более 200 песен, вокальные циклы: “Любовь поэта”, “Круг песен” на Гейне, “Мирты”, “Круг песен” на стихи Эйхендорфа, “Любовь и жизнь женщины” на стихи Шамиссо, испанские любовные песни, песни из “Вильгельма Мейстера” (Гёте), 4 симфонии, концерты для фортепиано, виолончели и скрипки с оркестром, концерт Штюк для фортепиано с оркестром, концерт Штюк для 4-х валторн с оркестром, 3 струнных квартета, фортепианный квартет, фортепианный квинтет,
3 фортепианных трио, 2 сонаты для скрипки, другие камерные ансамбли, оратория “Рай и Перри”, опера “Геновева”, музыка к драматическим спектаклям, около 200 критических статей – избранные статьи о музыке и музыкантах.
СКРЯБИН Александр Николаевич (1871/72—1915) —русский композитор, пианист, педагог. Его отец был дипломатом, мать — пианисткой. Учился в Московском кадетском корпусе (1882—89). Музыкальное дарование проявилось рано. Брал уроки (фортепьяно) у Г. Э. Конюса, Н. С. Зверева. В 1892 окончил Московскую консерваторию по классу фортепьяно у В. И. Сафонова, занимался также у С.
И. Танеева (контрапункт) и А. С. Аренского (композиция). Концертировал в
России и за рубежом, был выдающимся исполнителем собственных сочинений .
Существенную поддержку оказал ему М. П. Беляев (издавал сочинения молодого композитора, субсидировал его концертные поездки). В 1904—10 (с перерывом) жил и работал за рубежом (в европейских странах, гастролировал также в
США). Занимался педагогической деятельностью : в 1898—1903 профессор (класс фортепьяно) Московской консерватории , одновременно преподавал в музыкальных классах Екатерининского института в Москве. Среди учеников: М.
С. Неменова-Лунц, Е. А. Бекман-Щербина.
Скрябин — один из крупнейших представителей художественной культуры конца
19 — начала 20 вв. В творчестве представлены фортепьянные и симфонические жанры. В 90-х гг. созданы прелюдии, мазурки, этюды, экспромты, 1—3-я сонаты для фортепьяно , концерт для фортепьяно с оркестром, в 1900-х гг. — 3 симфонии, 4—10-я сонаты и поэмы для фортепьяно (в т. ч. «Трагическая»,
«Сатаническая», «К пламени»), а также такие симфонические произведения , как «Поэма экстаза» (1907), «Прометей» («Поэма огня», 1910) —этапное сочинение позднего периода творчества. Музыка Скрябина отразила бунтарский дух своего времени, предчувствие революционных перемен. В ней соединились волевой порыв, напряжённая динамическая экспрессия, героическое ликование, особая «полётность» и утончённая одухотворённая лирика. В творчестве
Скрябин преодолел идейную противоречивость, свойственную его теоретическим философским концепциям (около 1900 Скрябин стал членом московского
Философского общества, занимал субъективно-идеалистические позиции).
Произведения Скрябина , воплотившие идею экстаза, дерзновенного, устремленного к неведомым космическим сферам порыва, идею преобразующей силы искусства (венцом таких творений, по мысли Скрябина , должна была стать «Мистерия», в которой объединяются все виды искусства — музыка, поэзия, танец, архитектура, а также свет), отличаются большой степенью художественного обобщения, силой эмоционального воздействия. В творчестве
Скрябина своеобразно сочетаются позднеромантические традиции (воплощение образов идеальной мечты, пылкий, взволнованный характер высказывания, тяготение к синтезу искусств, предпочтение жанрам прелюдии и поэмы) с явлениями музыкального импрессионизма ( тонкий звуковой колорит), символизма (образы-символы: темы «воли», «самоутверждения», «борьбы»,
«томления», «мечты»), а также экспрессионизма. Скрябин — яркий новатор в области средств музыкальной выразительности и жанров, в поздних сочинениях основой гармонической организации становится доминантовая гармония
(наиболее характерный тип аккорда—т. н. прометеевский аккорд ) . Он впервые в музыкальной практике ввёл в симфоническую партитуру специальную партию света («Прометей»), что связано с обращением к цветному слуху.
Творчество Скрябина оказало существенное воздействие на фортепьянную и симфоническую музыку 20 в. Получили дальнейшее развитие идеи синтеза музыки и света. В 1922 в помещении последней квартиры Скрябина в Москве организован музей.

Сочинения: для оркестра -

3 симфонии (№ 1 E-dur, ор. 26 1899- 1900; № 2 c-moll, op. 29, 1901; .№ 3
Божественная поэма с-mоll, op. 43, 1903-04), Поэма экстаза (С-dur, ор. 54,
1905-1907), Прометей (Поэма огня, op. 50, 1909-10), пьесы для симфонического оркестра- Симфоническое Allegro (без ор., 1896-99, нe окончено, издано посмертно под названием Симфоническая поэма), Мечты
(Reverie, ор. 24, 1898), скерцо (для струнного оркестра, без ор., 1899),
Andante (для струнного оркестра без ор., 1899); для фортепьно с оркестром -

концерт (fis-moll, op. 20, 1896-97), фантазия (без ор., 1888-89, издано посмертно); для фортепьно-

10 сонат
ШОПЕН (Chopin) Фридерик (1810—49) — польский композитор, пианист.
Первоначальное музыкальное образование получил у В. Живного, затем обучался под руководством Ю. Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве. На формирование мировоззрения композитора оказали влияние борьба за независимость Польши (восстание под рук. Т. Костюшко в 1794, в котором принимал участие отец композитора — Николай Шопен, выходец из Франции), а также идеи польского литературного романтизма (К. Бродзиньский, А.
Мицкевич, Ю. Словацкий). Рано проявившаяся гениальность композитора и пианиста (первые полонезы издавались в 1817) развивалась в творчески насыщенной атмосфере предреволюционной Варшавы, где Шопен усваивал опыт польских композиторов (Ф. Островского, М. Шимановской, М. Огиньского и др.) и венской классической школы. В ранних произведениях органично использованы обработки народной мелодий (Большая фантазия на польские темы B-dur для фортепьяно с оркестром ), освоены жанры фортепьянных миниатюр (в т. ч. ноктюрн ), а также крупные формы (соната для фортепьно № 1, фортепьянные трио). Вершины раннего периода — 2 концерта для фортепьяно с оркестром.
Шопен - виртуоз получил признание в Вене, где выступал с концертами в 1829 и 1830—31. После поражения польского восстания (1830—31) Шопен связанный с участниками восстания, не смог вернуться на родину и остался до конца жизни в Париже, куда прибыл осенью 1831. Париж обогатил его новыми впечатлениями литературной , художественной и музыкальной жизни (знакомство с Г. Гейне,
Ж. Санд, А. Мюссе, О. Бальзаком, Э. Делакруа, В. Беллини, Г. Берлиозом, Ф.
Листом, Ф. Мендельсоном и др.) Отказавшись от карьеры виртуоза (Шопен много выступал в открытых концертах только в первые годы жизни в Париже), он сосредоточил свои поиски в области композиторского творчества, создав в
1830—40-х гг. выдающиеся произведения в различных жанрах фортепьянной музыки. Их объединяет тема Родины, приобретающая то героико-драматический и трагедийный характер (этюд № 12, прелюдии а-moll и d-moll, скерцо № 1, баллада № 1, соната b-rnoll с траурным маршем, полонезы es-moll, fis-moll), то глубоко лирический (ноктюрны, мазурки), народно-жанровый (мазурки) или торжественно-триумфальный (полонезы A-dur, As-dur). В произведениях 1840-х гг. эти образы находят гармоничное единение (фантазия f -moll, соната h- moll и др.).
В 1835 и 1836 Шопен выезжал в Германию, в 1837 — в Лондон. Зиму 1838—39 провёл на острове Майорка (Испания). В последние годы жизнь Шопен осложнилась необеспеченным материальным положением, разрывом с Ж. Санд и тяжёлой болезнью. После кончины Шопена его сердце (по желанию композитора) было перевезено на родину, в Желязову-Волю.
Глубоко национальное и подлинно народное творчество Шопена — родоначальника польской музыкальной классики, выдающегося пианиста своего времени — уникальное явление в истории музыки. Ограничив себя почти исключительно рамками фортепьянной музыки, он сконцентрировал в ней разнообразнейшие и наиболее перспективные художественные тенденции времени. Художественный мир
Шопена отличается универсализмом: глубочайшая психологичность и сокровенный лиризм сочетаются с постоянным ощущением объективной жизненной реальности, тонкость в передаче отдельных настроений — с крупным рельефом драматического развития, мечтательная созерцательность — с активной действенностью. Характерная особенность его музыкального языка — новаторский синтез. Композитор-романтик, Шопен в своих сочинениях развивал принципы бетховенского симфонического метода, а также (в миниатюрах) баховских импровизационных форм. В то же время его произведения отличает моцартовское совершенство пропорций. Мелодика Шопена соединила вокальность и инструментальность, песенность и танцевальность, кантиленное и речевое начала, претворила характерные черты польского народного мелоса и итальянского оперного бельканто. В ладово-гармонической сфере опора на диатонические лады соединилась с утончённой хроматикой, ладовая переменность — с развитой модуляционной (вт. ч. и энгармонической) техникой, предвосхитившей многие открытия в области гармонии Ф. Листа, Р.
Вагнера, К. Дебюсси, А. Н. Скрябина. Шопен раскрыл богатейшие возможности фортепьянной фактуры, создав выразительные типы фигурационного тематизма ,
«поющей» гармонии. Фортепьянный стиль Шопена,тесно связанный с его исполнительским стилем, отличается всепроникающим мелодизмом, гибкостью и пластичностью, сочетанием крупного штриха с тончайшей отделкой деталей, поэтической одухотворённостью целого. Влияние разнообразнейших жанровых связей у Шопена сказалось на всех выразительных средствах (в т. ч. и на ритмике). Разные типы польских деревенских и городских танцев (мазурка , куявяк, оберек, полонез), вальс, хорал, марш, их жанровые признаки, появляясь в различных комбинациях, подтверждают глубинную жизненную основу музыки Шопена и придают ей особую многомерность и содержательную ёмкость.
Жанры и формы фортепьянного творчества Шопена обобщают важнейшие тенденции музыкального романтизма. Равнозначное место занимают у Шопена и миниатюра, и крупная (одночастная или циклическая) форма. Он возродил на романтической основе жанр прелюдии, создал образцы художественного (концертного) этюда, облек в классически совершенную форму жанры ноктюрна и экспромта, а также опоэтизированных и драматизированных танцевальных жанров — мазурки, полонеза, вальса. Явился создателем жанра инструментальной баллады, черты которой проникли во многие его сочинения , превратил в самостоятельный жанр скерцо, создал замечательный образец романтической фантазии. В балладах, скерцо, фантазиях складывается одночастная смешанная (свободная) форма с чертами внутренней цикличности. Зрелые сонаты Шопена по своей концепционности и интенсивности развития равнозначны симфониям. Творчество
Шопена оказало огромное влияние на многие поколения музыкантов. С 1927 в
Варшаве каждые 5 лет проводятся международные конкурсы пианистов имени
Шопена . В 1934 организован Институт Шопена . (с 1950—Общество им. Ф.
Шопена). Общества Шопена существуют в ЧССР, ГДР, Австрии, до 2-й мировой войны 1939—45 существовало во Франции. В 1932 в Желязовой-Воле открыт Дом- музей Шопена , в 1985 — основана Международная федерация обществ Шопена
ВЕРДИ (Verdi) Джузеппе (1813—1901) —итальянский композитор. Родился в семье крестьянина-трактирщика. Учился у деревенского церковного органиста в
Ронколе (провинция Парма), у Ф. Провези в Буссето, у В.Лавиньи в Милане. В
1835—38 жил в Буссето, возглавлял музыкальную жизнь города (устраивал концерты, занимался с оркестрантами и певцами, сочинял музыку). Уже в эти годы определилось призвание Верди как оперного композитора. В 1839 в Милане с успехом была поставлена его первая опера —«Оберто, граф Сан-Бонифачо»
(написана в 1837). Известность композитору принесла опера «Навуходоносор»
(«Набукко», 1841), в которой нашли выражение волновавшие итальянскую публику национально-освободительные идеи) связанные с борьбой Италии за независимость. Оперы «Ломбардцы...» (1842), «Жанна д'Арк» (1845), «Аттила»
(1846) и др. продолжили героико-патриотическую линию его творчества.
Откликом на революционные события 1848 явилась опера «Битва при Леньяно»
(её постановка в 1849 в Риме превратилась в народное торжество).
Уже в ранних сочинениях проявился интерес Верди к сюжетам большого идейного содержания, насыщенным драматизмом, яркой контрастностью, сильными чувствами, которые он находил в произведениях великих драматургов: оперы
«Эрнани» (по драме В. Гюго, 1844), «Макбет» (по трагедии У. Шекспира,
1847), «Луиза Миллер» (по трагедии «Коварство и любовь» Шиллера, 1849) и др. Большой выразительности вокальной декламации и оркестрового письма достиг Верди в опере «Макбет», ставшей шагом к созданию музыкально- психологической драмы. Опера «Луиза Миллер» открыла новый этап творчества
Верди : обращение к образам не исключительных личностей, а обыкновенных людей с их чувствами и переживаниями. В знаменитой триаде 1850-х гг. — операх "Риголетто" (по драме «Король забавляется» Гюго, 1851), «Трубадур»
(по драме А.Гарсии Гутьерреса, 1853), «Травиата» (по драме «Дама с камелиями» А.Дюма-сына, 1853)—раскрылись лучшие черты музыкально- драматургического дарования композитора : глубокое постижение внутреннего мира героев; простота и выразительность музыкального языка ; песенность, идущая от итальянской народной музыки; стремление к напряжённой динамике развития; высокий гуманизм, направленный на обличение социальной несправедливости.
В операх 50—60-х гг. Верди вновь обращается, в связи с ростом национально- освободительного движения, к историко-героическим сюжетам, связывая воедино личную драму героев с общественно-политическими событиями: «Сицилийская вечерня» (1854, написана для Парижской оперы), «Симон Бокканегра» (1857),
«Бал-маскарад» (1859), «Сила судьбы» (соч. 1861, по заказу петербургского
Мариинского театра; в связи с постановкой оперы Верди дважды посетил
Россию—1861, 1862). Эти произведения отличают сочетание динамизма и яркости массовых сцен с углублённым психологизмом, усиление оркестровой выразительности, повышение роли декламации в вокальных партиях. К наиболее значительным созданиям Верди принадлежат оперы «Дон Карлос» (по драме
Шиллера, 1867, написана для Парижской оперы) и «Аида» (1870, по заказу египетского правительства в связи с открытием Суэцкого канала).
Использованные в «Аиде» элементы жанра большой оперы — развитые ансамбли, развёрнутые массовые сцены, торжественные шествия, балеты — полностью подчинены раскрытию глубокого гуманистического содержания. Близок лучшим поздним операм, в частности «Аиде», Реквием (на смерть писателя-патриота А.
Мандзони).
Вершинные творения Верди - музыкальная драма «Отелло» (1886) и комическая опера «Фальстаф» (1892). В «Отелло» Верди достиг полного слияния музыки с драматическим действием. Он отказался от традиционных арий, дуэтов
(заменены монологами, диалогами , сценами, основанными на сквозном музыкальном развитии). Тот же принцип применен в «Фальстафе». Тем самым
Верди реформировал комическую оперу на основе достижений реалистической музыкальной драмы 19 века.
Творчество Верди — высшая точка развития итальянской оперы 19 века и одна из вершин оперного реализма в мировом музыкальном искусстве. Продолжая традиции своих предшественников и современников (Д,ж. Россини, Г.Доницетти,
В.Беллини), осваивая опыт оперных школ (Ш. Гуно, Р. Вагнер) и опираясь на песенные истоки итальянской народной музыки, Верди создал свой стиль, для которого характерны яркая театральность, острота и выпуклость в обрисовке действующих лиц и ситуаций, непрерывность развития, гибкость вокальной декламации, мастерство ансамбля, усиление роли оркестра. Демократичность, глубокая человечность творчества Верди принесли ему большую популярность.
Его оперы исполняются во всех оперных театрах мира.

Сочинения: оперы-

Оберто, граф Сан-Бонифачо (Oberto, conte di san Bonifacio, 1833-37, поставлена 1839, театр "Ла Скала", Милан), Король на час (Un glorno di regno, позже под названием Мнимый Станислав, Il fintoStanislao, 1840, там же), Навуходоносор (Набукко, 1841, поставлена 1842, там же), Ломбардцы в первом крестовом походе (I Lombardi alla prima crociata, 1842, поставлена
1843, там же; 2-я редакция, под названием Иерусалим, 1847, театр "Гранд-
Опера", Париж), Эрнани (1844, театр "Фениче", Венеция), Двое Фоскари (I due
Foscari, 1844, театр "Арджентина", Рим), Жанна д'Арк (Giovanna d'Arco,
1845, театр "Ла Скала", Милан), Альзира (1845, театр "Сан Карло", Неаполь),
Аттила (1846, театр "Фениче", Венеция), Макбет (1847, театр "Пергола",
Флоренция; 2-я редакция, 1865, "Театр лирик", Париж), Разбойники (I
Masnadieri, 1847, театр "Хеймар-кет", Лондон), Корсар (1848, театр
"Гранде", Триест), Битва при Леньяно (La battaglia di Legnano, 1849, театр
"Арджентина", Рим; с переработанным либретто, под названием Осада Гарлема,
Assiedo di Harlem, 1861), Луиза Миллер (1849, театр "Сан Карло", Неаполь),
Стиффе-лио (1850, театр "Гранде", Триест; 2-я редакция, под названием
Гарольд, 1857, театр "Нуово", Римини), Риголетто (1851, театр "Фениче",
Венеция), Трубадур (Il Trovatore, 1853, театр "Аполло", Рим), Травиата
(1853, театр "Фениче", Венеция), Сицилийская вечерня (Les vepres siciliennes, французское либретто Э. Скриба и Ш. Дюверье, 1854, поставлена
1855, театр "Гранд-Опера", Париж; 2-я редакция под названием Джованна
Гусман. Giovanna di Guzman, итальянское либретто Э. Кайми, 1856, Милан),
Симон Бокканегра (либретто Ф. М. Пьяве, 1857, театр "Фениче", Венеция; 2-я редакция, либретто переработано А. Бойто, 1881, театр "Ла Скала", Милан),
Бал-маскарад (Un ballo in maschera, 1859, театр "Аполло", Рим), Сила судьбы
(La torza del destino, либретто Пиаве, 1862, Мариинский театр, Петербург, итальянская труппа; 2-я редакция, либретто переработано А. Гисланцони,
1869, театр "Ла Скала", Милан), Дон Карлос (французское либретто Ж. Мери и
К. дю Локля, 1867, театр "Гранд-Опера", Париж; 2-я редакция, итальянское либретто, переработано А. Гисланцони, 1884, театр "Ла Скала", Милан), Аида
(1870, поставлена 1871, театр "Опера", Каир), Отелло (1886, поставлена
1887, театр "Ла Скала", Милан), Фальстаф (1892)
Веризм (итал. verismo, от vero - правдивый), реалистическое направление в итальянской литературе, музыке и изобразительном искусстве конца 19 в., стремившееся отразить социальные и психологические конфликты новой национально-исторической действительности объединённой Италии, вступившей на путь капиталистического развития.
В литературе на В. оказали противоречивое влияние теория натурализма Э.
Золя, критический реализм французской и русской литературы, а также идеи итальянского социалистического движения. Национальное своеобразие В. в глубоком сочувствии угнетённому трудовому народу, жизнь которого (главным образом крестьянства и бедняков провинции) явилась основным содержанием романов и новелл теоретиков В. - Дж. Верги, Л. Капуаны, а также Д. Чамполи,
Р. Фучини, М. Серао и др. Веристы ввели в литературу народный язык, широко используя диалекты; создали бытовой театр (комедии Дж. Роветты, Дж.
Джакозы); внесли новое содержание в поэзию (О. Гуэррини, псевдоним - Л.
Стеккетти; А. Бойто). Однако веристы не видели общественной возможности устранения социальной несправедливости; отсюда в их творчестве мотивы обречённости, переоценка роли физиологии. Лучшие традиции В. развивает современная прогрессивная литература Италии.
В музыке В. получил известность в оперных произведениях. Однако характерные для литературы В. социальные мотивы разрабатывались в них редко. Героями своих произведений композиторы избирали сельских жителей, бедных горожан, представителей богемы и главное внимание сосредоточивали на житейских драмах, основанных, главным образом, на любовных коллизиях. Первые образцы веристской оперы - "Сельская честь" П. Масканьи (постановка 1890) и "Паяцы"
Р. Леонкавалло (постановка 1892). Наиболее значительны достижения оперного
В. в творчестве Дж. Пуччини ("Манон Леско", постановка 1893, "Богема", постановка 1896, "Тоска", постановка 1900, "Чио-Чио-сан", постановка 1904,
"Девушка с Запада", постановка 1910, и др.). Успеху произведений В. способствовали театральная эффектность, мелодически-выразительная музыка, подчёркнутая эмоциональность. Однако натуралистические тенденции, мелодраматизм, поверхностная иллюстративность, преувеличенность экспрессии, пристрастие к однообразному мелодизированному речитативу снижали целостность образов. Родственные В. течения существовали во Франции (оперы
А. Брюно, "Луиза" Г. Шарпантье), Германии (опера "Долина" Э. д'Альбера) и др. странах.
"Могучая кучка", творческое содружество русских композиторов, сложившееся в конце 50 - начале 60-х гг. 19 в.; известно также под названием "Новая русская музыкальная школа", Балакиревский кружок. В состав "М. к." входили
М. А. Балакирев (глава и руководитель), А. П. Бородин, Ц. А. Кюи, М. П.
Мусоргский, H. А. Римский-Корсаков, а некоторое время также H. H.
Лодыженский, А. С. Гуссаковский, Н. В. Щербачёв. Творческая программа и эстетика "М. к." сложились под влиянием демократической идеологии 60-х гг., в особенности взглядов художественного критика В. В. Стасова, который дал кружку само наименование "М. к." (впервые встречается в его статье
"Славянский концерт г. Балакирева", 1867). Будучи наследниками и продолжателями традиций М. И. Глинки и А. С. Даргомыжского, композиторы "М. к." искали вместе с тем новые формы для воплощения тем и образов из отечественной истории и современности, стремились приблизить музыку к насущным передовым запросам жизни. В операх Мусоргского ("Борис Годунов" и
"Хованщина"), Бородина ("Князь Игорь"), Римского-Корсакова ("Псковитянка" и др.) отражены страницы русской истории, передана стихийная мощь народных движений, воплощены патриотические и социально-критические идеи. Образы народного быта, сказки и эпоса занимают большое место и в симфонических произведениях, носящих большей частью программный характер, и в камерном вокальном творчестве композиторов "М. к.". Члены "М. к." высоко ценили народную песню, которая была одной из важнейших основ музыкального языка их сочинений. "М. к." как сплочённая боевая группа перестала существовать в середине 70-х гг., но её идеи и творческие принципы оказали плодотворное воздействие на дальнейшее развитие русской музыки и формирование национальных школ у других народов СССР.
Монтеверде Клаудио Джованни Антонио (около 15.5.1567, Кремона, -
29.11.1643, Венеция), итальянский композитор. В 1590-1612 служил в капелле герцогов Гонзага в Мантуе (музыкант, певец, капельмейстер), с 1613 руководил капеллой собора Сан-Марко в Венеции. Писал преимущественно полифоническую хоровую музыку. В 1587-1638 опубликовал 8 книг мадригалов.
Развивая полифонические традиции 16 в., уже в мадригалах М. стремился к лирико-драматической выразительности, постепенно обновив характер жанра. С
1607 основное место в его творчестве заняла опера. Сохранились лишь первая
- "Орфей" (1607, Мантуя) и 2 последние - "Возвращение Улисса на родину"
(1640, Болонья), "Коронация Поппеи" (1642, Венеция). М. придал этому новому тогда жанру ("сказка на музыке", "драма на музыке") подлинно драматическое значение, развив и углубив все его музыкально-выразительные средства. М. - создатель т. н. "взволнованного стиля" в музыке. Оказал большое влияние на современников (особенно композиторов венецианской школы).
Антонио Вивальди (1678—1741)
Итальянский композитор, скрипач, дирижёр, педагог. Учился у своего отца
Джеван Баттисты Вивальди— скрипача собора Сан-Марко в Венеции, возможно также у Дж.Легренци. В 1703—25 педагог, затем дирижёр оркестра и руководитель концертов, а также директор (с 1713) женской консерватории
«Пьета» (в 1735 вновь недолго был капельмейстером). Сочинял музыку для многочисленных светских и духовных концертов консерватории. Одновременно писал оперы для театров Венеции (участвовал в их постановке). Как скрипач- виртуоз концертировал в Италии и др. странах. Последние годы провёл в Вене.
В творчестве Вивальди высшего расцвета достиг concerto grosso. Опираясь на достижения А. Корелли, Вивальди установил для concerto grosso З-частную циклическую форму, выделил виртуозную партию солиста. Он создал жанр сольного инструментального концерта, способствовал развитию виртуозной скрипичной техники. Музыкальный стиль Вивальди отличают мелодичность щедрость, динамичность и экспрессивность звучания, прозрачность оркаски письма, классическая стройность в сочетании с эмоциональным богатством.
Концерты Вивальди послужили образцами концертнрго жанра для многих композиторов, в т. ч. И. С. Баха (переложил около 20 скрипичных концертов
Вивальди для клавесина и органа). Цикл «Времена года» — один из ранних образцов программной оркестровой музыки. Существен вклад Вивальди в развитие инструментовки (он первым применил габои, валторны, фаготы и др. инструменты как самостоятельные , а не дублирующие). Инструментальный концерт Вивальди явился этапом на пути формирования классической симфонии.
В Сиене создан Итальянский институт имени Вивальди (возглавлял Ф.
Малипьеро).
Cочинения: оперы (27)-

в том числе Роланд - мнимый безумный (Orlando fiato pozzo, 1714, театр
"Сант-Анджело", Венеция), Нерон, ставший Цезарем (Nerone fatto Cesare,
1715, там же), Коронация Дария (L'incoronazione di Daria, 1716, там же),
Обман, торжествующий в любви (L'inganno trionfante in amore, 1725, там же),
Фарначе (1727, там же, позднее также под названием Фарначе, правитель
Понта), Кунегонда (1727, там же), Олимпиада (1734, там же), Гризельда
(1735, театр "Сан-Самуэле", Венеция), Аристид (1735, там же), Оракул в
Мессении (1738, театр "Сант-Анджело", Венеция), Ферасп (1739, там же); оратории-

Моисей, бог фараона (Moyses Deus Pharaonis, 1714), Торжествующая Юдифь
(Juditha Triumphans devicta Holo-fernis barbarie, 1716), Поклонение волхвов
(L'Adorazione delli tre Re Magi, 1722); светские кантаты (56)-

в том числе 37 для голоса с бассо континуо, 14 для голоса со струн, оркестром большая кантата Глориа и Гименей (1725); серенады для 1-4 голосов-

в том числе Празднующая Сена (La Senna festeg-giante, 1729); культовая музыка (около 55 произведений)-

в том числе Stabat Mater, мотеты, псалмы и др.; инструментальные. произведения-

76 сонат (с бассо континуо), в том числе 30 для скрипки, 19 для 2 скрипок,
10 для виолончели, 1 для скрипки и виолончели, 2 для лютни и скрипки, 2 для гобоя; 465 концертов, в том числе 49 кончерти гросси, 331 для одного инструмента с бассо континуо (228 для скрипки, 27 для виолончели, 6 для виоль д'амур, 13 для поперечной, 3 для продольной флейт, 12 для гобоя, 38 для фагота, 1 для мандолины) 38 для 2 инструментов с бассо континуо (25 для скрипки, 2 для виолончели, 3 для скрипки и виолончели, 2 для валторн, 1 для мандолин), 32 для 3 и более инструментов с бассо континуо.

БАРОККО!
Музыка Италии

В музыкальном искусстве XVIIв. начинается как бы с решительного перелома, с бескомпромиссной борьбы против полифонии строгого стиля. В это время было провозглашено рождение нового стиля - монодии с сопровождением, гибко следующим за поэтическим словом. В результате, динамичнее становится музыкальный язык, обновляется музыкальное искусство, порождающее новые творческие искания.
ОПЕРА

Новые исторические условия и социальная атмосфера, новые черты мировоззрения сильным образом повлияли на судьбы и характер музыкального искусства. Музыка ощутила на себе напряженный, тревожный, неустойчивый, патетический дух времени. На пороге новой эпохи остро прозвучало требование драматической выразительности в музыке: флорентийцы создали оперу. Именно возникновение оперы в Италии открывает эпоху XVIIв. в истории музыкального развития Западной Европы. Будучи новым синтетическим жанром, она была призвана воплотить идеал “нового стиля”. Появление данного жанра было длительно и многосторонне подготовлено в художественной атмосфере
Возрождения: увлечение образцами древнегреческой трагедии, пасторальные драмы, духовная опера Кавальери, мадригальная комедия (Веке “Тик-так-ток”), комедия масок, драматические спектакли, интермедии... Выдающимся оперным композитором был Клаудио Монтеверди, который углубил драматическую сущность нового жанра, обогатил полифонической традицией, средствами музыки показал многообразие человеческих характеров. В основу его опер положена драматическая мелодия (concitato - взволнованный стиль), сплавлявшая речевые интонации, декламацию и вокал. Монтеверди включил в оперу симфонические эпизоды (увертюры), детально разрабатывал оркестровку, вводил новые технические приемы для большей выразительности: тремоло, пиццикато.
Таким образом, Монтеверди явился смелым новатором, далеко опередивший современное ему музыкальное искусство. Его произведения:
Оперы: “Орфей” 1607г., текст А.Стриджо, “Ариадна” 1608г., текст
Ринуччини,“Коронация Поппеи” 1642г. и др. интермедии “Балет неблагодарных”, “Музыкальные шутки”, ...
С середины XVIIв. намечается определенная колея развития оперного жанра, устанавливаются типы, разновидности, образуются школы:
1) Венецианская. Фр. Ковали, Марк А.Чести, Фр. Сократти, А. Сартарио, Дж.
Лоренцо, Д.Фрески,...
Характерно: а) античный, мифологический, исторический сюжет в свободной трактовке; б) захватывающее действие, любовные интриги; в) введение комических эпизодов; г) опора на арии, мелодии близки бытовым, народным; д) утрачивается виртуозность; е) изменяется функция речитативов - только связки между ариями; ж) большая роль оркестра. Увертюры программны, тематически связаны с оперой; з) утверждаются оперные декорации
(Торелли).
2) Неаполитанская, во главе с А.Скарлатти. В его творчестве откристаллизовался жанр оперы-serio (серьезной оперы). Черты: а) Сюжет исторический, легендарный, античный, мифологический; б) стержень - любовная интрига; в) герои условны, главное не характер, а эмоции, данные в контрастах и противоречиях; г) главенствующее значение
13 музыки; д) текст носит обобщающий характер; е)вырабатываются пределенные типы арий, их функции: ария-жалоба, ария мести (гнева), героическая ария, пасторальная, бравурная,... ж) большая роль принадлежит оркестру.
Индивидуализируются партии струнных и духовых, утверждается трехчастная увертюра - simfonia: 1ч-быстрая, 2ч - кантиленная, 3ч - моторная.
ОРАТОРИЯ

Параллельно опере развивается крупный вокальный жанр оратории, более камерный кантаты. Главным принципом оратории становится раскрытие только музыкальными средствами драматического содержания. Постепенно итальянская оратория вытесняет ораторию с латинским текстом. Сольное пение вытесняется хоровым. Текст оратории сближается оперным либретто. Проявляется стремление к типизации арий и ансамблей. Достигнув зрелости, итальянская оратория проникает в другие страны: Англию, Австрию (Гендель, Гайдн).

Кантата в XVIIв. складывалась как жанр по преимуществу светский, постепенно приближаясь к оперной композиции в камерных масштабах.
Кристаллизация жанра связана с именами Дж. Кариссими, А. Страделла.
Постепенно определяются разновидности кантат: лирическая (камерная), праздничная (более масштабная).
ИНСТРУМЕНТАЛЬНАЯ

История инструментальной музыки XVIIв. - это история создания инструментальных ансамблей с ведущей ролью скрипки. Постепенно определяются ведущие типы ансамблей (трио), выдвигаются солирующие инструменты. В середине века образуется соната, как цикл нового типа.
Это породило:
1) поиск нового тематизма, образной определенности, конкретности;
2) расширение рамок композиции, самоопределение частей;
3) контрастность динамики и лирики в макро- и микромасштабах.
Постепенно соната из контрастно-составной формы превращается в цикл.

Развивается и жанр сюиты. Постепенно создается тип концерта - grosso.
Представители: Арканджело Корелли. Характерно: отсутствие тематических контрастов в пределах частей; сопоставление solo и tutti для активизации музыкальной ткани; ясный и открытый образный мир.

Антонио Вивальди. Черты: отсутствие в большинстве произведений программы, но яркий тематизм, конкретность музыкального языка. Мелодии близки фольклорному песенному, танцевальному пласту, оперным интонациям.
Вырабатывается определенный тип трехчастной композиции:
1ч - быстро; рондо, разработочный характер; 2ч - медленно, лирический центр; 3ч - быстро.

В области органной музыки ведущее место принадлежит Фрескобальди.
Основные черты стиля: смешение полифонических форм, тяготение к
“взволнованному стилю”, жанровое разнообразие, тематическая индивидуализация.

Поделитесь этой записью или добавьте в закладки