Предыдущая страница реферата | 1  2  3  4  5  6  7 | Следующая страница реферата

Таким образом, в сочетании черт концерта и рок-баллады образуется смешение двух жанров. При этом сохраняются приёмы симфонического исполнительства в типичных для него соотношениях оркестровых групп и солирующих инструментов, рок-группы и оркестра. Тембровый контраст и диалогическое взаимодействие рок-группы и оркестра подтверждают также традиции Concerto Grosso. Преобладание черт лирико-эпической баллады в вокальной партии подчёркивает аутентичность звучания некоторых оркестровых тембров (валторн, деревянных духовых, ударных).

В целом этот уникальный пример раннего симфонического рока демонстрирует и ранний образец интеграций двух жанров, характерный ещё для раннего белого блюза. В нём сопоставления преобладают над взаимопроникновением. Этому способствуют и две традиции восприятия музыки. Из них первая относится к слушательской культуре академической музыки, а вторая сформирована восприятием композиций музыки рока. Данное наблюдение особо подчеркивается на записи «Концерта для группы с оркестром» Deep Purple в Лондонском Альберт-холле - сосредоточенная тишина во время звучания оркестра прерывается восторженными криками поклонников группы при её вступлениях во всех трёх частях. Видеозапись концерта позволяет увидеть также танцующего рок-слушателя среди других слушателей, которые не осмеливаются покинуть свои кресла в знаменитом симфоническом зале, но при этом всем своим видом (мимикой, жестикуляцией, восклицаниями) поддерживают именно роковые, современные музыкальные находки.

Совершенно очевидны здесь и традиции музыки современного «третьего пласта». В первой части произведения от тихого и тревожного тремоло струнных и лирико-эпической темы у гобоя с откликами деревянных духовых, через стремительный рост громкостной динамики, усиление тембровой плотности оркестрового tutti музыкальная материя очень быстро приходит к яркой кульминации, уже к концу небольшого раздела развития темы А. Это не что иное, как следование традициям музыки кино ХХ века - стремительное движение с броским, картинно-ярким тематизмом и почти зрительной динамикой достижения цели, неважно, ковбоем в прериях или стартом космического корабля. Недаром момент вступления литавр перед кульминацией вызывает громкие приветственные крики рок-публики из зала, узнавшей "свою" музыку. Хотя здесь очевидны и симфонические традиции, которые всегда в той или иной степени заимствовались авторами киномузыки. Поэтому материал всего раздела воспринимается также как стилистическая аллюзия тем и разделов академических произведений композиторов-классиков, преимущественно романтиков – Брамса, Вагнера, Шуберта, Дворжака, Листа, Сен-Санса. Как известно, эти же аллюзии характерны для киножанра со времени появления в нём звука.

Таким образом, интегративное соотношение черт симфонической культуры и рок-культуры проявляет себя здесь в нескольких аспектах. Это сочетание жанровых и формальных признаков концерта (цикл, разделы тематического развития) с контрастно-составными и балладными формами. Также - особенности взаимодействия оркестра и группы (здесь - характерные концертные диалоги). Это также восприятие-участие в среде рок-слушателей, расположившихся среди традиционной симфонической аудитории. И, наконец, черты музыки массовой культуры, проявившиеся через приёмы уподобления киномузыке. Но они же смешаны с чертами музыки симфонического жанра: тема А из I части и её репризное проведение в коде III части претерпевают заметное, неинтенсивное сквозное развитие.

Сравнение способов интеграции академической музыки и современного рока в "Concerto for Group and Orchestra" Deep Purple и в композициях групп прогрессивного рока убеждают в том, что искусство синтеза в творчестве последних было намного совершеннее. Комплекс средств, использованных Джоном Лордом (Jon Lord, клавишник Deep Purple - автор идеи создания "Concerto for Group and Orchestra"), намного скромнее, чем язык интеграций в композициях ELP, Yes, Рика Вэйкмана (Rick Wakeman), Camel или других представителей этого рок-стиля. Тем не менее, именно после опыта Deep Purple степень участия рок-групп в процессах взаимодействия с музыкой других культурных пластов возрастает. Подтверждением этому является также и усиление интереса к подобным интеграциям со стороны музыкантов-академичестов. Если первый опыт сочетания симфонического оркестра и рок-ансамбля в плотном симбиозе осуществился благодаря инициативе рок-музыкантов (Следует заметить, что часть музыкантов симфонического оркестра в процессе репетиций "Concerto for Group and Orchestra" протестовала против привлечения оркестра к сотрудничеству с " бесталанными выскочками" и "недоучками"), то спустя почти три десятилетия, в середине и в конце 90-х годов ХХ века, способы и приёмы в осуществлении подобных синтезов не только изменились качественно - они усовершенствовались благодаря встречному интересу ряда дирижёров симфонических оркестров США и Великобритании к музыке рок-групп и разностороннему сотрудничеству с ними. Такой длительный перерыв между работами групп, культивирующих симфо-прог в семидесятые года и оживлением интереса к нему в середине 90-х можно объяснить как "вживанием" элементов рок-культуры в сознание профессиональных музыкантов, многие из которых владеют приёмами исполнительства в обоих жанрах, так и значительным взрослением поколения семидесятых.

В свою очередь, успехи стремления адаптировать композиции классического рока и прогрессивного рока академическими музыкантами очень различны. Академическое видение первого чаще всего сводится к обработке и аранжировке ставших классикой своего жанра произведений в симфонических составах. Практика обработки "вечнозелёных" мелодий рока родилась ещё в 60-х гг ХХ века у оркестров и ансамблей различных классических составов, однако стремление расширить область симфонических обработок эстрадных шлягеров в последующие десятилетия не сформировало процессов взаимодополняющего партнёрства. В качестве примера мы сошлёмся на "Symphonic Led Zeppelin" (The London Philarmonic Orchestra), "Symphonic Queen" (The London Symphony Orchestra), "Rolling Stones" (The London Symphony Orchestra), "Orchestral Sgt. Peppers" (The Royal Academy Of Music Symphony Orchestra). Самые убедительные доказательства несоответствия художественного значения подлинников рок-музыки её обработкам представляют именно такие примеры. Так, "Symphonic Led Zeppelin" включает девять композиций, среди них – исключительно «хиты» этой группы. В оркестровых транскрипциях преобладает избыток не всегда удачных тембровых уподоблений (партия гитары исполняется арфой и т.п.). Сохранённый внешний облик композиций не передаёт оригинального содержания. Так, духовые, исполняющие сигнальные мотивы в "Stairway to Heaven", формирует иной облик, нежели в оригинале. Вместо психоделического путешествия в собственный внутренний мир раскрывается пасторальный пейзаж. В "Orchestral Sgt. Peppers" точность аранжировки, сохраняющей тембровое cоответствие оркестрового звучания студийным записям композиций знаменитого альбома Beatles, всё же оставляет неприкосновенной только внешнюю оболочку музыки. Подлинное содержание музыки исчезает. Остаются обобщенные образы, уводящие в мир воспоминаний о великих “the Beatles” и их эпохе. Так, знаменитое ракоходное проведение хроматического звукоряда, записанного струнными симфонического оркестра в песне "A Day in the Life", заменяется тембровыми кластерами, создающими впечатление внешнего нагромождения событий, переполняющих день жизни современного человека. В оригинале же, звучащем у “the Beatles”, эффект, полученный в результате студийных ухищрений, был призван отразить душевную сумятицу. Таковы же транскрипции песен "Symphonic Queen" и "Rolling Stones". Это популярные обработки с введением "декоративных" ритмических остинато у контрабасов и ударных или (песня Queen "Crazy") диалога медных духовых с синтезатором, звучащих в стилистике биг-бэнда. Это создаёт всего лишь ностальгический облик песни, в то время как подлинное исполнение «Bohemian Rhapsody» построено на трагическом диалоге певца с группой. Убив человека, герой прощается с матерью: "Мама, живи теперь так, как будто меня никогда не было". В симфонической транскрипции мужской и женский хоры имитируют этот диалог, но облик трагедии трансформируется в беседу - респектабельное сожаление о происшедшем когда-то давным-давно. Также искажается подлинное содержание композиций таких ярких представителей контркультуры как Rolling Stones. Образ неприятия традиционной культуры в песне "I Can Get No Satisfaction", исполняемой Миком Джаггером в самом дерзком и скандальном тембре, на какой он был способен в 60-е, здесь отсутствует. Тема интонируется группой скрипок симфонического оркестра, что противоречит смыслу оригинала. Таковы же трансформации не менее знаменитых контркультурной "Get Off Of My Cloud" и психоделической "Lady Jane", которые становятся традиционными, милыми и также слегка ностальгическими. Попытка ограничения обработанной рок-композиций чертами исключительно традиций массовой культуры до-рок-н-ролльной эпохи нарушает установившиеся связи разных пластов музыкальной культуры второй половины ХХ - начала ХХI вв. Их результаты оказываются вне области формирования процессов взаимодействия, которые собственно и являются интеграциями, направленными к формированию подлинных синтезов.

В то же время, наиболее показательными и художественно полноценными явились результаты транскрипции музыки групп прогрессивного рока в произведениях "The London Philharmonic Orchestra - Symphonic Yes" и "The London Philharmonic Orchestra - Us and Them: Symphonic Pink Floyd". Здесь также инициатива принадлежит дирижёрам и аранжировщикам, имеющим профессиональный опыт работы в обоих жанрах. В первом случае оркестром управляет David Palmer, мультиинструменталист рок-жанра, аранжировщик, продюсер, симфонический дирижёр. Во втором - дирижер, аранжировщик и продюсер Peter Scholes. В концерте "Symphonic Yes", где в оркестровую палитру добавлены партии инструментов рок-ансамбля, звучание акустических и электронных тембров сбалансировано. Синтез рок-группы и симфонического оркестра здесь настолько органичен, что ни один из партнёров этого симбиоза не теряет собственной специфики в пользу другого. В результате сохраняется образное содержание оригиналов, написанных музыкантами "Yes", музыка обогащается широкой гаммой симфонических инструментов, появляется интересное, полное видение классических произведений легендарной группы.

В "Us and Them: Symphonic Pink Floyd" звучание оркестра и группы сливаются в цельной, хотя внутренне дифференцированной музыкальной ткани. При этом идея психоделического звучания, изначально присущая исполнительству "Pink Floyd", поддерживается мощью звучания и тембровой палитрой симфонического оркестра. В композиции "The Great Gig in The Sky" многоголосный хор акустических и электрических (синтезированных) скрипичных тембров интонирует аллюзии секвенций из концертов А.Вивальди. Психоделическая сонорность рок-музыки поддерживается симфоническим звучанием. Образ мощи "The Great Gig in The Sky" символизирует гармонию сфер в представлении человека технологической эпохи.

Приведённые выше примеры сближения рок-музыки с практикой наиболее популярных жанров симфонической музыки при разности конечных результатов убеждают нас в возможностях рок-музыки к участию в интегративных процессах. Несомненно, такой способностью были наделены и обладают в настоящее время жанры других областей музыкальной культуры. Ею всегда были обусловлены процессы развития в целом. В данном случае примеры и результаты взаимодействия музыки композиций рок-групп различных стилей с традициями музыки других пластов в том, что их участие в интегративных процессах является одним из условий существования и развития рок-жанра в целом.

На возникновение и развитие арт-рока (Art-rock, Progressive Rock) оказало влияние ещё одно фундаментальное качество рок-музыки. Комментируя процессы её развития, большинство авторов указывают на феномен отрицания каждым новым поколением музыки предшествующего, которая воспринимается как потерявшая новизну и полноту выражения жизненного ощущения. Декларация "права собственности" на новые стили рок-музыки у каждого последующего рок-поколения является существенной частью рок-культуры. Но в немалой степени они побуждаются не только естественными для представителей всех новых поколений стремлениями познать содержательную новизну, но и техническим прогрессом, дающим возможность появления музыкально-технических новаций, способствующих формированию новой знаковости и новых черт стиля. Д. Житомирский в "Музыке для миллионов" объясняет закономерности этого процесса особенностями циклического развития массового музыкального искусства, "рождением и умиранием творческих импульсов", подобных движению по кругу. Каждый такой цикл проходит четыре стадии (автор называет их звеньями).

Стадия первая - возникновение новых творческих импульсов под влиянием смены поколений и "новых времён", в борьбе и столкновениях со стандартами предыдущего цикла, которые подвергаются критике создателями нового. Стандарты, тем не менее, обладают нейтрализующим воздействием. То же новое, которое не подчинилось давлению стандарта, переходит в следующую стадию.

Стадия вторая. Новое творчество обретает массовый спрос. Его новизна, однако, начинает нейтрализоваться "равнодействующей вкусов". Здесь эклектически могут соединяться стандартное с творческим. Иногда новое находит более ограниченную, но свою аудиторию, где и формируются стили массового искусства, "устремлённые к незаурядным целям"

Стадия третья. Возникновение клише того профессионализма, которое сформировалось из нового творчества. Его продукция обретает черты стандартности. Спрос поэтому становится более стабильным, во многом благодаря рекламе и средствам распространения.

Стадия четвёртая: клише производит впечатление стабильности и превращается в норму. Но внутри нормы зарождается новый цикл, новая информация социального и творческого характера начинает изменять норму по старой схеме. Через несколько стадий она станет нормой, а потом так же будет побеждена более свежей новизной.

Однако, здесь речь идёт о популярной музыке, лишь частью которой является рок. Для её авторов и любителей до сих пор являются притягательными не только черты развлекательности, но и содержательные компоненты музыки. Таким образом, сменяемость приоритетов новых стилей в среде любителей рок-музыки так же зависима от вышеуказанных стилистических циклов, как и в среде другой популярной музыки, но ее истоки, классика, не вызывает среди приверженцев этого стиля обычного в других направлениях отторжения. Если же иметь в виду наиболее художественные стили рок-музыки, особенно – Art Rock, то их развитие на фоне сменяемости стилистических новинок не только не отвергает законов стиля и его корней, но изначально и последовательно приводит её авторов в эстетическую область той культуры, которую ранний рок отвергал - музыку классической традиции. Эта стабильность эстетики арт-рока ясно осознана не только в среде творцов рок-музыки и её любителей, но и тех, кто её комментирует и критически оценивает результаты изменений, происшедших за последние два десятилетия. Часто указывается на то, что рок перестал быть культурой, стал лишь предметом коммерческой выгоды и совершенствется не по законам эволюции, как это происходило в 70х годах, а по законам сближения со слушателем, упрощения и превращения в один из видом поп-музыки. Именно поэтому рок, как таковой, перестал существовать для настоящих ценителей этого стиля, именно поэтому шире и качественней развиваются "элитарные, закрытые, особенные" стили рока, такие, как прогрессивный рок, авангард-рок, джаз-рок и т.д.

Термин “Progressive Rock” (в контексте данного исследования рассматривается, как аналог определения Art-rock и не берет во внимание некоторые авангардные, амбиентные, психоделические и электронные ветви направления) возник как аналогия обозначению джазового стиля “Progressive”, который развивался с середины 40-х гг. в стремлении к синтезу джазовых стилей с жанрами и техникой музыки академических традиции. Как в зарубежной, так и в отечественной рок-музыке, прогрессивный рок представляет самостоятельную и наиболее художественную область рока. Это обусловлено особенностями его развития, которое начиналось в интеграциях символических элементов музыки классической традиции последних трёх столетий (моделей построения тем, приёмов их развития, типов фактуры, структуры произведений, различных духовых и струнных солирующих инструментов) и рок-музыки (музыкальных инструментов основного состава, ритмической остинатности, драматургии тембров, энергии движения и типов его воздействия и восприятия). Наиболее характерны в этом отношении композиции британских групп Emerson, Lake & Palmer, композитора и клавишника Рика Вэйкмана (Rick Wakeman), групп Yes, Jethro Tull и др.

Непосредственным предшественником возникновения и развития прогрессивного рока был т.н. белый блюз (British Blues, Elektric British Blues), который к концу 60-х гг. окончательно определился как синтез языка и исполнительских традиций негритянского американского блюза с языком, стилями, жанрами, формами жанров западноевропейской музыки. Но использование отдельных их приёмов в раннем английском роке было лишь началом процесса расширения его художественного поля. Британский рок, а затем и вся европейская рок-музыка, развиваясь в блюзовом русле одновременно с усвоением языка чёрного блюза, обращаются к жанрам, стилям, языку, а также традициям европейской музыки от Средневековья до современности. Обе родительские ветви белого блюза как непосредственного предшественника прогрессивного рока в процессе интеграций обладают длительной историей формирования.

Европейская музыкальная академическая музыка не только насчитывает века длительных и многосторонних связей с языком народных культур различных регионов, но и успешно продолжает своё развитие. Так же и многочисленные фольклорные истоки американского блюза кроются в глубине культур многих регионов мира, и блюз продолжает своё развитие на этой почве. Закономерна поэтому их интеграция в процессе развития белого блюза. Становление и развитие прогрессивного рока является продолжением этого процесса. Его собственная эстетика развивалась на почве интеграций раннего рока с европейской классической музыкой и очень часто, обычно британским, народным фолклером. Авторы-исполнители, пропогандирующие арт-рок, сохраняли и развивали музыкальный материал, являющийся наследием художественной культуры. Усвоение его элементов произошло несмотря на первоначально более чем скептическое отношение к ней создателей контркультуры рока. На основе блюза и психоделии они стремились сформировать другое искусство и с его помощью построить иной мир духовного обитания. Этот мир должен был стать независимым от классических традиций и обладать другим смыслом. Созданный приёмом наркотиков, остинатностью и звукокрасочностью музыки, феерией цвета, сопровождающей музыку, управляемый древними идеями западных и восточных религиозных учений, он мыслился более аутентичным и правдивым для души и ума нового поколения, ищущего истин в неизведанных (часто неевропейских) областях человеческой культуры. Белый блюз должен был развиваться как область психоделии, претендующая стать заменой традиционной художественной культуре. Однако его прогресс выявил многообразие и противоречивость собственных внутренних течений - от бездумного стремления к наркотическим галлюцинациям до претворения. эзотерического знания во взаимодействии языка рок-музыки и музыки классической традиции. Авторы - исполнители белого блюза не смогли создать альтернативы многовековой художественной культуре Европы, поэтому полного отграничения от культурной традиции в рок-музыке не произошло. Наибольшие результаты сочетания черт европейского искусства и рок-музыки были достигнуты в рок-стиле, наследующем опыт белого блюза, т.е. в творчестве групп, работавшем в стиле Art Rock, интегрировавшего язык и мировоззренческие основы чёрного блюза, психоделии, традиций неевропейских духовных систем, эзотерики с художественными традициями европейской профессиональной и фольклорной музыки, литературы и киноискусства. Основатели арт-рока принесли в его творческую модель также тягу к поэзии, к постоянному движению вперед, к различным музыкальным и звуковым экспериментам и, как следствие, к электронике.

Процесс интеграции элементов блюза, фолклерной музыки, соула, джаза, психоделического рока и европейской академической музыки был очень интенсивен, начиная с шестидесятых годов ХХ века. Большинство основоположников арт-рока пришли к нему через развитие других стилей. Так, “Moody Blues” так до первого своего распада в 1974 году и позиционировали себя, как рок-н-рольная банда, “Genesis” начинали свое творчество в русле симфо-бита, ранние “Yes” играли хард-рок, “King Crimson” большую часть своих первых альбомов являли заинтересованность в джаз-роке, “Jethro Tull” изначально совмещали в своем творчестве блюз и английский фолклер, раннее творчество “Pink Floyd” – образец психоделического рока, “Van der Graaf Generator” начинали с неоригинального рока, а “Soft Machine” развивали джазовое направление. В этом списке огромное значение имеет частое классическое образование пианистов, таких, как Keith Emerson и Rick Wakeman. Так как в процессе развития рок-музыки многие её стили, обладая общими чертами, были связаны между собой, некоторые черты языка и приёмы исполнительства арт-рока были усвоены представителями других стилей рока. Характерные для прогрессивного рока заимствования некоторых элементов академической музыки, эпический размах, интеллектуальная, социальная поэзия имели место и у многих исполнителей других стилей. Примером может служить творчество Дэвида Боуи (David Bowe), известного как яркая фигура глэм-рока (Glam Rock), утончённого, яркого, театрального. Он синтезировал в своем творчестве не только язык прогрессивного рока (Progressive Rock), но и родственных ему авангардного и эксперементального рока (Experimental Rock). Черты прогрессивного рока проявляются также в музыке таких стилей, как Hard Rock – например, у Deep Purple, Goth rock - Enigma, Tiamat, Stoa.

Как уже было замечено, эволюция арт-рока обусловлена общими закономерностями развития рок-жанра. После периода бурного развития, во второй половине 70-х, в связи со сменой поколений, изменениями социальных и культурных условий на европейской и американской рок-территорях, наступает период кризиса внутри еще совсем молодого стиля. Самой существенной из его черт явился бурный взлёт и столь же быстрое исчезновение с рок-сцены. На смену арт-року пришел столь же скоротечный Punk Rock. Во время пост-панковского периода 80-90 годов язык музыки в целом, не теряя накопленных ресурсов, обогащается возможностями интенсивно развивающейся звукой электроники. Однако за протестом недолговечного панка последовало подспудно назревавшее окончательное разделение современной музыки на различные жанрово-стилевые области, которые, согласно традициям, не только продолжают взаимодействовать на основе элементов внутрикультурной и внутрижанровой общности, но и обособляются мировоззренчески более решительно, чем до возникновения панка. Соответственно, разделение и обособление просходят в среде новых поколений слушателей. Ищущие смысл и ответы на извечные человеческие вопросы, а также возможности приобщения к мировым духовным и художественным традициям - одна категория, чёрные американцы, продолжающие развивать блюзовую традицию - другая. Любители популярной музыки, не затрудняющие процесс собственного мышления, а просто потребляющие музыку тонизирующую, веселящую или элегически настроенную, - третья, подростки, находящие психологическую поддержку в жанрах "кислотной" музыки – четвёртая. Тем не менее, тяга участников процесса развития рок-музыки к соблюдению собственных традиций способствует продолжению жанрового и стилевого взаимодействия. Так, в творчестве группы Marillion, представителей так называемой второй волны прогрессивного рока или Neo-Progressive Rock, появившегося в 80-е годы XX века (в рамках проекта Арт-рок кафе стиль имеет название Нео-арт), содержательные поэтические тексты нередко духовной и социально заострённой тематики раскрываются в музыке, близкой к прогрессивным направлениям в музыке, выращивают вполне современное, популярное лицо нового арт-рока и заимствуют многие выразительные средства из других музыкальных стилей. Эта же практика узнаваема в готическом роке, музыканты которого реализуют в электронной звуковой палитре черты языка музыки Средневековья и Возрождения.

Тенденция к внутрижанровому взаимодействию элементов языка различных рок-стилей, очевидная ещё в первых альбомах пионеров прогрессивного рока (The Nice, Moody Blues, Procol Harum, King Crimson), проявилась в творчестве музыкантов следующих поколенией этого стиля, каждое из которых продолжает традиции, внося новые элементы. Но музыке Progressive Rock описанное выше циклическое развитие современных музыкальных жанров свойственная менее всего. Их проявления сдерживаются традициями, тесно связанными с художественной культурой. Этим подтверждается жизнеспособность Арт-рока, как значительного явления внутри рок-культуры.

Ярким подтверждением этому является музыка альбома «Rick Wakeman & Adam Wakeman - Wakeman With Wakeman», записанного в 1993 году дуэтом музыкантов разных поколений: одним из столпов британского арт-рока Риком Вэйкманом и его сыном, Адамом. Разнообразие клавишных инструментов, на которых играют исполнители этого альбома: Korg, Roland, Ensoniq, Hammond, Shure, Kurzweil, Celestion, Sound Crystal, Metro подтверждает способность музыканта - ветерана прогрессивного рока оставаться полноправным участником непрекращающегося технического процесса модификаций в поле жанровых и стилевых интеграций. Если сравнить инструментальные пристрастия Рика Вэйкмана (Rick Wakeman) на протяжении его творческого пути, то выясняется, что закономерность их изменений подчиняется быстрому и целенаправленному прогрессу музыкальной электроники, которая приводит к сужению составов музыкантов, задействованных в записи. Так, в записи "The Six Wives Of Henry VIII" (1973 год) кроме его участвовали пятеро вокалистов и двенадцать инструменталистов (ударные, бас-гитары, гитары, электро-банджо). В исполнительский состав "No Earthly Connection" 1976 года входили мандолина и медные духовые. Так же, как и музыканты других рок-групп этого десятилетия, тяготевшие к соотнесению своего творчества с академическими традициями (Deep Purple), Рик Вэйкман прибегал к сотрудничеству с симфоническими оркестрами и хорами - в "Journey To The Centre Of The Earth", в "Lisztomania". В записях 80-х гг. он чаще ограничивается традиционным для арт-рок группы квартетом: ударные, бас, гитара, клавишные. В девяностых - часто только клавишными, значительно усовершенствованными к тому моменту и способными более убедительно заменить и оркестры, и хоры различных составов, и роковые инструменты. Адам Вэйкман является представителем другого поколения. Так как он родился в 1974 году, его музыкальные пристрастия формировались во второй половине 80-х - первой половине 90-х, эпохе жёсткой, остинатной музыки сэмплированных и синтезированных мелодий, продолжающегося синтеза стилевых элементов американского и европейского рока и гдавенствования более простой, популярной музыки. Черты этой рок-эпохи проявляются в обеих его сольных композициях альбома “Wakeman with Wakeman”, но только как стилевые компоненты в музыке Progressive Rock. В начале "Megalomania" - насмешливое подражание классической манере фортепианного исполнительства. Далее, с убыстрением темпа теряется псевдоизысканность фортепианного тембра и формируется характерное для рок-музыки 90-х жёсткое и тяжёлое рок-звучание в синтезаторных тембрах. Агогика академического исполнительства уступает место остинатной ритмике. Однако, и эта ткань - не монолит. На ритмическом фоне появляются и исчезают: короткая мелодическая линия органного тембра в фактуре скрытого двухголосия - как аллюзия органных фактур И. С.Баха, затем - фортепианная блюзовая импровизация, чуть позже - подголосок в синтезированном тембре рок-гитары. Мир музыки расширяется и углубляется символами из разных эпох и стилей. Музыкальная ткань второго соло, "Past and Present", также переплетает разные временные и стилистические пласты. Начальный раздел - романтическая фортепианная прелюдия, раскрывающая образ взволнованной мятежности. По мере развития музыка обретает черты мелодической и ритмической жёсткости, переходя в стилистику тяжелого рока. Второй раздел - в тембрах органа, баса и ударных, построен также на аллюзиях баховских токкат, но с энергией стремительной рок-атаки в тяжёлых и жёстких электронных тембрах. Постепенно этот бурный поток, успокаиваясь, перетекает в репризу раздела квази-фортепианной прелюдии. Так структура обеих сольных композиций демонстрирует стабильность музыкального языка ”Progressive Rock”. Сформировавшиеся в конце 60-х - первой половине 70-х годов двадцатого века, черты стиля арт-рок обнаруживают способность к интеграциям в условиях непрерывно изменяющегося языка рок-музыки. Это подтверждается музыкой трех дуэтов, следующие далее на Wakeman with Wakeman. Порядок их следования даёт возможность увидеть путь развития рока с одной стороны и её усвоение стилевых новаций - с другой. Это последовательность от традиционного фортепианного ансамбля "Jiggaig" через общий для представителей поколений отцов и детей рок-н-ролл "The Suicide Shuffle" к полному партнёрскому согласию, своебразному единению поколений в обращении к классике рок-музыки в "Paint it Black" Мика Джаггера и Кейта Ричардса (Rolling Stones). В первом случае подчёркнуто традиционный дуэт двух роялей стилизован оборотами типичного ансамбля учителя и ученика: первый уверенно солирует, второй - не очень твёрдо аккомпанирует. Следущий дуэт исполняется в традициях танцевального блюза. В двух первых предложениях квадрата соотношение партнёров - солист и аккомпаниатор. В третьем заключительном предложении их партии равноправны. В последнем дуэте музыкальная тема интонируется в тембре гитары с последующим рядом импровизаций, в которых различие уровней мастерства проявляется только степенью уверенности и твёрдости рок-интонирования. Во всех случаях характерные для рок-музыки этого периода синтезированные тембры, вытеснившие акустические, использованы сообразно художественной традиции, уходящей не только в джаз или ранний рок, но и дальше, в инструментальный фолклер и классический ансамблевый стиль. Так, стилистика четвертой сольной композиции Рика Вэйкмана "Raga and Rhyme", несмотря на господство синтезированных и сэмплированных тембров, в немалой степени определяется соблюдением традиций прогрессивного рока. Здесь соединяются в среднем голосе мелодическая линия раги, плывущей, медленно развёртывающейся по присущим только ей законам, басовая линия нижнего и подголосок-импровизацию верхнего голосов, окрашенного интонациями рок-баллады. Всеобщность, "агеографичность" этого синтеза эпох и стилей оттеняется сэмплированным хоровым звучанием.

Сопоставляя на примере этой работы стилевые изменения, произошедшие в рок-музыке в связи со сменой поколений, мы убеждаемся в том, что они не опровергли принадлежности современных видений стиля Progressive Rock к собственным художественным традициям. Это подтверждается соединением тематических и стилистических элементов рок-музыки и музыки классической традиций в русле новаций. Его авторы и исполнители продолжают развивать её в интегративных процессах, используя новые возможности языка, которые создаёт технический прогресс.

Одной из незыблемых основ арт-рока до настоящего времени остаётся содержание контркультуры, придавшей динамику развитию рок-музыки в эпоху её становления. Содержание контркультуры было в значительной степени обусловлено сложным, оппозиционным к традиционной культуре, неоднозначным развитием 60-х - начала 70-х гг., протекавшим в русле нескольких концепций, среди которых были восточная философия, религия, экзистенциализм, наркотическая психоделия. Авторы рок-музыки быстро усвоили мировоззренческие принципы контркультурной наркотической психоделии, как культуры расширенного сознания, создав позже на её основе в ряде стилей культуру иррационального сознания, как специфическую область художественности. Этому способствовало унаследованное от древних обрядовых культур стремление к формированию экстатического состояния исполнителей и слушателей через возбуждение проявлений психологии массового бессознательного. Стремление авторов и исполнителей некоторых стилей рок-музыки, прежде всего, прогрессивного рока, к трансформации контркультурных идей через их художественное перевоплощение в философские, религиозные или эзотерические идеи сформировало практику переосмысления жанровых и стилистических элементов музыки классической традиции, европейского и неевропейского фольклора, религиозной музыки народов мира.

Таким образом, эстетика прогрессивного рока, как части рок-культуры сформировалась на основе идей контркультуры 60х - начала 70-х годов. Как система идейных течений она оказала значительное влияние на представителей молодых поколений. Её ценностная суть контркультуры, заимствованная из эстетики битников, основывалась на отрицании равнодушия к человеку. Этой мировоззренческой основой контркультурного мышления объясняется холодность его выразителей к техническому прогрессу и стремление к познанию ритуальной магии древнейших культур, к созданию другого общества на основе новой культуры, альтернативной по отношению к традиционной. Представители контркультуры отрицали престиж социального и материального благополучия, отказываясь от культурных и социальных ценностей как неистинного в существовании. Позже эта составляющая рока окажется сильнее его музыкальной составляющей и вырастет до гротескных размеров. Так, уже в середине 70-х годов исполнители панк-рока сознательно упрощали выразительные средства рок-музыки и вызывающим поведением эпатировали публику, выражая тем самым протест не только против коммерциализации рок-музыки, но в ещё большей степени против усложнения её языка в ряде стилей рока, особенно – арт-рока. Оба эти процесса представлялись им как нивелирующие контркультурные ценности. Джонни Роттен (Johnny Rotten), скандально известный участник Sex Pistols, утверждал: "Рок-н-ролл должен быть весёлым. Он должен приносить радость. Важно не то, что о тебе пишут критики, не то, что ты потратил сто ... лет и разучил миллион гитарных аккордов. Важен сам дух...". Гитарист этой же группы Стив Джонс (Steve Jones), противопоставляя себя музыкантам арт-рока, вторил своему согруппнику: "Я не умею играть соло потому что я их ненавижу!"

Рекомендуем скачать другие рефераты по теме: мировая экономика, решебник по геометрии атанасян.



Предыдущая страница реферата | 1  2  3  4  5  6  7 | Следующая страница реферата

Поделитесь этой записью или добавьте в закладки